À découvrir absolument

Dévore

gdo — 2026-06-08T15:32:44Z

Sur son deuxième EP, Dévore avance comme ces groupes qui ont compris que l'identité se construit moins dans la fidélité à une esthétique que dans sa mise en mouvement permanente. Quelque part entre les collages organiques de Young Fathers (welcome dans Last Honest Party véritable capsule spatio temporel ouverte à tous), les dérives nocturnes de Tricky (Toast to the Void comme une promenade du kid sous le haut compagnonnage d'un DJ Shadow enfantin) et l'art du détail mélodique d'Erika de Casier, le duo façonne un terrain de jeu où les repères se brouillent sans jamais se dissoudre. Les guitares, longtemps au centre, s'effacent derrière un réseau de souffles et de textures transformées. Clarinettes, flûtes et saxophones deviennent des fantômes électroniques (Love Is A cathartique), des matières instables qui rappellent parfois les manipulations de Boards of Canada (qui semble connaître un retour fracassant) ou certaines expériences du post-rock le plus aventureux. Sous cette surface mouvante battent pourtant des structures d'une redoutable efficacité : des boucles obstinées qui évoquent autant Steve Reich (April 1996) que le hip-hop instrumental de DJ Krush (Over pli la game pour ceux qui souhaiteraient s'aventurer sur ce terrain ; Attention chef d'oeuvre), avec ce même goût pour l'hypnose discrète .

Ce qui frappe surtout, c'est la manière dont Dévore fait cohabiter la frontalité et la nuance. La voix scande, observe, interroge. Les textes traversent les faux-semblants contemporains, les identités performées, les colères qui s'épuisent avant d'avoir commencé. On pense parfois au regard désabusé de Baxter Dury ou aux chroniques sociales en clair-obscur de Breton (Vaudeville un titre comme hanté par sa recherche de la lumière), mais sans cynisme ni posture.

À l'heure où tant de productions indépendantes semblent prisonnières de leurs influences, Dévore choisit au contraire de les laisser dialoguer. De cette friction naît un disque dense, mobile, habité par une étrange sensation de flottement. Comme si le groupe avait trouvé sa voix précisément au moment où il cessait d'en chercher une seule. Déroutant et puissant. Claque de cet été naissant.

site internet: : Vaguery Records / Howlin' Banana Records / Modulor

The Exit Ends

Alix de Stermaria — 2026-06-08T15:32:32Z

Des ballades rock classieuses, amples, sombres et envoûtantes, mariant un chant caverneux et des chœurs amoureux, forcément, ça nous rappelle Nick Cave, époque crooner tiret lover, quand il duettait sur Murder Ballads avec PJ Harvey. Sauf qu'on est à Marseille et que l'oiseau de nuit Laurent Alexandre, échappé du groupe Moon Rã, a passé des années à peaufiner les chansons de ce Late Midnight particulièrement crépusculaire, sur lequel il se voit accompagné par sa femme, Natalia Rodriguez-Ramirez – joli brin de voix. S'ouvrant sur le très beau Red Grown, carmin, lyrique et romantique, piano arpégé et batterie ternaire en avant, dont la dynamique évoque The National, ce premier opus est irrigué de morceaux lents, de slows, de complaintes entre chien et loup, parfois fiévreuses : le très australien It et sa guitare électrique orageuse ; la ballade Hide qui, sous le haut patronage de David Bowie, décline toute la palette du rouge sanglant ; la tragique She Knows, narrant le suicide de l'actrice Peg Entwistle ; la soyeuse Shell Castle, en mood Billy Joel ; le western Rubicon, un des sommets du disque, on croirait entendre les Walkabouts période Devil's Road, une vraie bonne chanson de cow-boys imaginaires. Comme Laurent vient du prog, il a agrémenté son disque d'instrumentaux planants (Fog pourrait illustrer un film de série B des années 80) et de titres space rock (Carmen in Tennessee), ce qui évite l'effet « tunnel de ballades en mode mineur » mais parfois distrait l'auditeur confortablement installé dans son cocon de mélancolie – please, laissez-nous baigner dans nos larmes de crocodiles ! Il n'en reste pas moins que, même un chouïa trop long, le premier opus de The Exit Ends est excellent. Belle découverte.

site internet: : Autoproduction

Puce Moment

gdo — 2026-06-07T18:13:34Z

O.R.G. II est un espace sonore plus qu'un album, une architecture mouvante où l'orgue à tuyaux cesse d'être un monument patrimonial pour devenir une matière instable, traversée de courants électriques, de rémanences et de fantômes.

Depuis plusieurs années, Nicolas Devos et Pénélope Michel, réunis sous le nom de Puce Moment (ceux qui lisent ADA depuis des années savent), poursuivent un dialogue obstiné avec cet instrument aussi massif qu'insaisissable. Mais loin des démonstrations de virtuosité ou des séductions néo-sacrées qui accompagnent souvent le retour de l'orgue dans les musiques expérimentales, le duo préfère en explorer les zones troubles. Là où le souffle devient texture, où l'harmonie se fissure, où le temps semble ralentir jusqu'à perdre ses contours.

Commandée par le chorégraphe Christian Rizzo pour sa création à l'ombre d'un vaste détail, hors tempête, présentée à la Biennale de Lyon, cette nouvelle pièce prolonge les recherches amorcées avec O.R.G. tout en les poussant vers une forme plus ambiguë encore. Entre contemplation et menace sourde, les compositions avancent par glissements successifs, comme si chaque son contaminait le suivant. Les nappes électroniques se mêlent aux vibrations organiques des tuyaux dans un lent processus de métamorphose où rien ne se résout vraiment.

Ce qui frappe, c'est cette capacité à maintenir l'auditeur dans un état d'incertitude féconde. Les motifs apparaissent puis se dérobent, les fréquences semblent surgir des murs eux-mêmes, tandis que l'orgue, débarrassé de sa fonction liturgique, devient un générateur de présences. On pense parfois aux paysages minéraux du drone contemporain, parfois aux expérimentations électroacoustiques les plus radicales, mais O.R.G. II échappe constamment aux références qu'il convoque.

Depuis leurs débuts dans les marges électroniques françaises, des expériences bruitistes de Cercueil aux dispositifs immersifs de Puce Moment, Nicolas et Pénélope n'ont cessé de brouiller les frontières entre concert, installation et rituel. Ce nouvel opus en constitue sans doute l'une des expressions les plus abouties : une musique qui ne cherche pas tant à être écoutée qu'habitée. Dans un monde saturé de sollicitations, O.R.G. II propose une autre temporalité. Celle de l'attente, de l'écoute profonde, de la transformation lente. Une expérience rare, qui fait de l'orgue non pas une relique du passé, mais un instrument capable d'ouvrir des brèches dans le présent. Comme une ode messianique en dehors des Épîtres pastorales. Bouleversant et transcendant

O.R.G. II de Puce Moment

site internet: : ODD DOO Records

tellKujira

Alix de Stermaria — 2026-06-07T18:13:21Z

Retour du quatuor romain, dont nous avions en novembre 2023 tant apprécié l'inaugural tellKujira. « Rêverie éveillée, anarchique et sensuelle », écrivais-je en ces pages, tandis qu'au même moment, à quelques pâtés de maisons de là, et plus précisément à l'Institut de recherche et coordination acoustique-musique, la violoniste Ambra Chiara Michelangeli et ses acolytes travaillaient sur La lucha es un poema colectivo, inspiré par la grève du personnel du Centre Georges Pompidou, ces derniers craignant de perdre leurs emplois durant les travaux de désamiantage – entre autres collages sonores, ce sont leurs voix que l'on entendra sur En grève. Leurs voix, entremêlées seize minutes durant à d'autres voix, des voix qui manifestent, des voix qui dialoguent, qui fondent, qui disparaissent dans les plaintes longues et distordues des cordes – le violoncelle de Francesco Guerri, les guitares électriques de Francesco Diodati et Stefano Calderano. La tension monte et monte et monte, mais il ne se passe rien d'autre que stridences, lacérations, griffures, rien que l'on puisse discerner ou qualifier : drone, noise, free jazz ? C'est le chaos, un chaos de plics et de plocs, au bout d'un moment on se dit quel ennui, c'est quoi ce truc, ils vont continuer à faire n'importe quoi jusqu'à la fin du disque ou quoi, et au moment où enfin j'osais écrire le mot PENSUM, tout se fige, net. Tout se fige, puis doucement, reprend. Les plics et les plocs se font notes, les notes se succèdent, deviennent mélodies, c'est très beau, l'on pense au travail d'Howard Shore sur le film Esther Kahn. Dire que j'ai failli passer à côté, j'en ai rétrospectivement froid dans le dos – heureusement que j'écoutais l'album au casque, je pense que c'est le minimum requis pour se plonger dans ce disque coupé en deux. Plic ploc d'un côté (le vaporeux Walking on the beach / what to love and fight), post-rock de l'autre (¡Que viva México ! et le superbe Tarantella). Avec le crépusculaire La lucha es un poema colectivo, tellKujira nous offre une œuvre exigeante, dont l'âpreté ne fait que renforcer les évidentes qualités esthétiques.

La lucha es un poema colectivo de tellKujira

site internet: : Superpang Records

Johnny Makam

Alix de Stermaria — 2026-06-05T13:38:58Z

On dirait que l'improbable succès d'Angine de Poitrine déteint sur la communication des labels, qui désormais valorisent l'aspect technique de la musique qu'ils nous vendent. Des quarts de ton, des pulsations ciftetelli et des métriques en 7/8, voilà ce que vous trouverez – entre mille autres choses – sur le premier album de Johnny Markam, nous dit-on. Des métriques en 7/8, c'est vraiment censé nous appâter ? Je veux dire, personne ne sait ce que c'est, une métrique en 7/8… Trêve de taquinerie, à l'écoute de l'enjoué Karadeniz Dreamin', on se doute bien que le combo toulousain, né sur les rives du Bosphore et révélé en 2023 avec l'EP Elektronik Ziyafet, s'avance vers nous sans l'ombre d'un calcul, uniquement porté par son amour des musiques anatoliennes et du thé noir. Dix titres durant, c'est un aréopage d'influences concassées sous perfusion électro, à l'instar de l'inaugural Yanar Döner, sorte de Macarena à la turque virant jungle, portée par un saxophone foufou et une basse hypnotique, d'un Karadeniz Kabus frontal, au kitsch assumé fleurant bon la techno dance, ou de l'ébouriffant instrumental Holographik çiftetelli, pièce maîtresse de six minutes. Au centre du projet, le chant d'Ebru Aydin – qui par ailleurs joue du qanûn, un vrai plus, niveau arrangements – se fait mélodieux (Halayina Isyan et son empilement de motifs électriques), mélopée (Baladi'n Wonderland, teintée de trip hop), mélancolique, tel que sur le menaçant Her Sey, orageux, lourd, lent, très convaincant. Quelques sonorités 80s (Karadeniz Dreamin'), des climats vaporeux (Yörünge), un zeste de synth-clash 00s (Her Gece), on pourrait croire que le disque part dans tous les sens, mais en réalité il dispose d'une solide colonne vertébrale électronique, sur laquelle se greffent les instrumentations plus traditionnelles. En ce sens, loin de l'exercice folkloriste avec passages obligés (les solos arabisants), Karadeniz Dreamin' se fait la synthèse contemporaine de cultures et de répertoires qui partagent le même goût pour la pulsation, la transe, la danse. Derviches tourneurs.

Karadeniz Dreamin' de Johnny Makam

site internet: : Vlad Productions

Marisa Anderson

Witold Bolik — 2026-06-05T13:38:56Z

Ah, un peu de musique anti-Trump ! se dit-on en lisant le titre du disque de Marisa Anderson. Allez, s'il vous plaît laissez-moi le chroniquer, ça a l'air dément ! Euh, oui oui Witold, pas de souci... Personne était sur le coup, tu peux y aller... Marisa qui déjà ?

Les disques de guitariste, c'est un truc particulier (croyez-moi, j'en ai commis un). Au final ça reste chiant de centrer un propos artistique sur une façon de jouer, comme un tutoriel sur rien. Perso je joue plutôt plus mal que pas mal de gens sur Terre (notamment de guitaristes), mais au-delà de ça, c'est le principe même de la limite instrumentale, ce fil rouge merdique, qui me semble bloquer. Ce qui sauve mon truc (je suis quand même pas là pour m'auto-pourrir), c'est qu'il n'y a pas que de la guitare et qu'au final j'oublie assez rapidement le postulat "disque de guitare", alors, bon, ça arrive à être moins chiant. Des fois. Je crois.

À part ça, le dernier album de guitare et de guitariste dont je me souvienne, c'est Requiem for What's-his-name de Marc Ribot, un grand musicien à mon sens : pareillement, je kiffais le titre, la démarche artistique de son auteur m'intéressait, son style de jeu aussi, mais, le problème, une fois que tout cela est dit, mettez l'album en lecture et il ne se passe rien de plus intense qu'une suite de fonds sonores idéaux pour un message téléphonique. En voulant démontrer ses qualités de guitariste Marc Ribot démontrait son sens du titre et ses capacités géniales de collaborateur (de Tom Waits entre autres). Ca manquait de Tom et sans lui ça sonnait irrémédiablement creux, en somme. Mais au moins, restait quelque chose d'agressif et de mauvais poil qui rendait possible deux écoutes et un ricanement adolescent.

À l'inverse, ce disque est parfaitement dénué de cynisme et d'agressivité. Il est doux. Et partant, assez chiant quand même. Une fois que je pense à ce que je viens de dire, je ne peux m'empêcher de créer des messages téléphoniques pour chaque morceau, je reconnais que c'est vache de lancer ce jeu mais, bon, si comme moi vous ne ressentez rien de plus enthousiasmant à l'écoute de ce disque, ça vous fera passer le temps.

Il y a deux morceaux que je sortirais du lot, un qui m'évoque le "virelai" (ouep), Dame, à vous sans retollir issu de Remède de Fortune, ce disque formidable de chansons de Guillaume de Machaut par l'ensemble P. A. N., dont je vous recommande l'écoute : Zar, en plage 5, à essayer avec ce message : "Bienvenue dans le musée médiéval de Chlouville-en-Carthois." Ca marche à mort et c'est très beau. Le deuxième est Whistle song, qui clôt l'album et coupe la chique à mes persiflages en brodant de manière vraiment intéressante, rythmiquement et mélodiquement, sans virtuosité clinquante et (ben, tiens, les disques de guitaristes ne deviennent plus intéressants que quand ils oublient la guitare, CQFD), avec bien moins de guitare que pour le reste, sur un motif qui pour le coup évoque une tonalité de retour d'appel. En quelque sorte, par ce morceau, Marisa me raccrocherait-elle au nez ?

The Anthology of UnAmerican Folk Music de Marisa Anderson

site internet: : Thrill Jockey records

Larsen

gdo — 2026-06-03T16:25:07Z

Trente ans de carrière, vingt albums, et Larsen reste ce nom qu'on prononce avec une légère révérence dans les cercles de l'expérimental européen (inutile je pense de vous présenter Fabrizio Modonese Palumbo), ce groupe de Turin qui depuis 1995 a fréquenté Jóhann Jóhannsson, Lustmord, Nurse With Wound, Lori Goldston et Xiu Xiu sans jamais vraiment ressembler à aucun d'eux. Decalcomania n'est pas un disque anniversaire. C'est autre chose, plus étrange, plus risqué.

Le coup de génie, ici, c'est d'avoir confié la finalisation du projet à William Basinski, le maître new-yorkais des boucles qui se désintègrent, l'homme dont les Disintegration Loops ont redéfini ce que la musique peut faire avec le temps et la corrosion. Basinski ne s'est pas contenté de produire, il a aussi soufflé dans le saxophone sur plusieurs pistes, ajoutant une respiration organique et légèrement fantomatique à cinq pièces qui naviguent entre le lounge, l'ambient, le dub et l'électro avec une fluidité déconcertante. Le résultat a été enregistré avec leur fidèle collaborateur Paul Beauchamp à Turin, mixé à Los Angeles par Gary Thomas Wright et masterisé par James Plotkin, une chaîne de transmission qui dit beaucoup sur les réseaux dans lesquels Larsen a toujours évolué, loin des autoroutes balisées.

Les textes sont signés Little Annie, la voix cabaret-avant-garde new-yorkaise, figure culte de l'underground depuis des décennies, ce qui donne à Decalcomania une dimension vocale et littéraire inattendue. Entre les architectures sonores de Larsen et les mots de Little Annie, il se crée quelque chose d'étrange et de juste, comme deux solitudes qui se reconnaissent. Cinq pièces, donc. Pas de remplissage, pas de démonstration de force. Juste cette qualité particulière que seuls les groupes ayant vraiment du métier possèdent : la capacité à habiter l'espace sans le remplir, à laisser le silence travailler autant que le son. Decalcomania est un disque qui prend le temps, et qui vous en donne.

Decalcomania de Larsen

site internet: : EROTOTOX DECODINGS

Slow Jane

Alix de Stermaria — 2026-06-03T16:25:02Z

Tirant son patronyme artistique d'une chanson de Nick Drake et passée par les bancs du Conservatoire, la briançonnaise Marie Turin œuvre – depuis la parution en 2020 de l'inaugural Caroline – dans une folk pop ligne claire, inspirée par Fiona Apple, Joni Mitchell et Linda Perhacs. Moitié du duo Fée, dont le EP Rêver sur les bords date de 2023, la multi-instrumentiste nous revient avec un nouveau recueil de ballades entre chien et loup, aussi délicates que ciselées, portées par des mélodies limpides et des arrangements cotonneux. Guitare folk en avant, ici et là du piano, de la clarinette (celle de Matthieu Montjotin), du violoncelle (celui de Maco Rubio), des rythmiques tranquilles, des harmonies vocales rappelant Dolores O'Riordan ou Paula Frazer. Point d'esbroufe, même si à compter de la complainte réverbérée He Said, l'ensemble gagne en intensité, comme si le disque tout entier était un lent crescendo. Au fil des chansons, les ornementations – brumeuses, liquides, rêveuses – s'épaississent, jusqu'au conclusif Bleu Surf et son final saturé, par ailleurs unique composition interprétée en français. Si la langue de Mallarmé sied à Slow Jane, les reliefs, les aspérités, les paysages accidentés également ; l'apaisé Aquarius n'en reste pas moins de la belle ouvrage.

site internet: : Autoproduction

Les Mercuriales

Witold Bolik — 2026-06-03T16:24:55Z

La dernière fois que j'ai tenté de chroniquer Les Mercuriales, je me suis cassé les dents. Le cabinet du dentiste passait une soupe jazz rock, mais toujours la même à chaque rendez-vous, et je suppose donc qu'il avait choisi le CD. Ce n'était pas atroce, ou peut-être que je n'avais plus l'énergie de mes quarante ans (ah bah oui, j'ai commencé tard les chroniques) pour m'insurger et trouver ça à chier, je me disais : c'est intéressant. C'est intéressant que des gens se réunissent pour faire de la musique, quand on y pense, faire du jazz rock, faire des disques, qui échoueront sur la platine d'un dentiste qui de toute manière le laissera écouter essentiellement par ses patients et ses secrétaires, puisqu'il est absent ou en consultation la plupart du temps. Mais alors, qui met le disque tous les matins ? Sans doute personne ne l'a jamais sorti de la platine. Une musique qui ne changera la vie de personne, même pas de ceux qui la jouent, et qui serait terriblement embarrassée – la musique - si ça devait arriver. Mais qu'est-ce que j'en sais au fond ? Si ça se trouve un jour dans le cabinet du dentiste quelqu'un aura l'illumination sonore : "J'ai écouté cette musique, j'avais mal aux dents mais à présent je m'en foutais, je suis parti sur les routes partager la bonne parole de : Tuiiii tu tu tu douboumdoum tchak (slap) duiii lutu tu pouet (saxo, je le connais par cœur à présent, mais pas les titres, j'ai dû les inventer : "détartrage du 26 avril", etc)...". Si ça se trouve.

Impossible de se demander à quoi sert la musique des Mercuriales, elle est déjà là, s'impose dès les premières note, teigneuse jusque dans son côté dreamy, psychédélique, ça ça me fait penser aux Silver Apples ou aux Seeds, mais la multitude d'influences se déroule (c'en est à vrai dire intimidant pour moi, et ça va être une des raisons pour laquelle je n'arriverai jamais à chroniquer ce groupe) et le début de La méthode Canadair, par exemple, me fera plus penser à un de ces vieux enregistrements de blues originel, un peu crade, un peu faux, quand arrive un refrain qui m'évoque irrésistiblement Pink Floyd (nom composé d'après les patronymes de vieux bluesmen des origines, comme on sait), Shine on your crazy diamond.

"Travail, famille, poterie - danse et judo le mercredi". Oui alors ça c'est la deuxième raison, l'écriture de Jean-Pierre Montal fait mal (aux côtes, mais aussi parfois aux dents - décidément) tout le temps. Impossible de "parler dessus", les formules s'enchaînent, et c'est irrésistible. D'ailleurs pour moi en disque ça fonctionne mieux qu'en livre, mais j'ai dû attaquer par un moins bon, La nuit du 5-7, qui m'est tombé des mains au bout de deux trois fois de ce que j'ai ressenti comme des idées reçues peu creusées mais bien tournées. Un ressenti peut-être injuste, mais bon. J'ai longtemps été fan de Gainsbourg et je ne le suis plus, de fait - pourquoi, aucune idée, ou trop d'idées, mais, c'est comme ça, un jour mon amour de Sonic Youth est parti de moi, ben, pour Gainsbourg c'est pareil. Des trucs que j'adorais m'ont d'abord agacé, puis, très longtemps après, sont redevenu d'un coup les trucs agaçants qu'ils ont toujours été - après une ellipse que je prenais pour une illumination esthétique.

Jean-Pierre a un haut potentiel d'agaçement, d'une sorte de dégagement pas de mon bord, de parisianitude of course, de Loureedianisme surrané ("Arrêtez de danser, je fais de la musique pour les adultes !" - citation apocryphe à mort, que j'imagine bien dans sa bouche, avec un grand sourire timide, genre à pleines dents bouches fermées, un sourire d'écrivain), mais dans ses chansons le ton qu'il met sur tout ça, le cœur que met le groupe à ne sonner comme personne, ce mélange inédit de purisme et de je m'en foutisme musical, cet intimisme dans l'imprécation, l'emportent, et au final, je me casserai toujours les dents, et ma foi, je chroniquerai mes visites aux dentistes, j'espère que ça ne vous empêchera pas de pencher vos oreilles sur ce truc curieux, insolite, fascinant, et oui, merveilleusement agaçant, que sont les Mercuriales, qui nous livrent ici, heu, que voulez-vous que je vous dise ? Un beau disque, paf dans les dents. Et avec Jill Caplan !

L'exil loin des slows de Les Mercuriales

site internet: : Le Pop Club

Maxwell Farrington et Le Superhomard

Witold Bolik — 2026-06-02T14:55:56Z

Savoureux ! L'adjectif semble d'autant plus pertinent que le duo parle souvent de mets délicats... L'apogée musicale et visuelle de ce point de vue gustatif dans le clip de Supermarket, où le crooner Maxwell pousse la chosification au dernier degré, "feeling like tomato soup can", un clin d'œil à Andy Warhol de bon... goût, définitivement. De moins bon goût mais réjouissant, dans Windows Tax la rime "My ass"/"mise en place" en guise de cerise sur le gâteau. On aura d'ailleurs d'autres moments choisis où un français impeccable vient émailler les lyrics, laissant s'exprimer le bilinguisme du duo, juste ce qu'il faut pour surprendre, à la Talking Heads (souvenons-nous de Psychokiller, bien sûr, "qu'est-ce que c'est")...

Au fil des chansons nous naviguons entre, pour le meilleur, des élans synthétiques stereolabiens voire fugu-esques (sons analogiques flamboyants, arrangements soigneux, ludiques, choix d'instruments rares, et du détournement post-moderne pop à mort), pour le plus discutable des faces B (voire C) de Burt Bacharach ou Nancy Sinatra, quand ce n'est pas - désolé... - La croisière s'amuse.

C'est un jeu terriblement rigolo et plus risqué qu'il n'y paraît que de tourner autour de la muzak et de la variété 70, mais ceux-là s'en sortent plutôt formidablement bien. J'adore par exemple quand la ritournelle Do da da da da (Lily Buchanan, voix féminine parfaite, dont la justesse nonchalante s'accorde parfaitement à l'emphase ironique de Maxwell) laisse pointer à la toute fin son côté obscur, ou quand à la cinquième réécoute je prends la mesure du râteau cosmique et violent que raconte Supermarket...

Il faut beaucoup d'écoutes pour ce disque, non pas pour en saisir le charme au contraire très, presque trop, accrocheur dès le début, mais plutôt pour y trouver la profondeur, bien cachée mais présente. Un grand cru millésime caché au centre d'un chewing-gum et ne se délivrant qu'après quelques ruminations, en quelque sorte (cette chronique manquait cruellement de métaphores foireuses) !

Belle surprise en ce qui me concerne qui me donne envie de me pencher sur l'album précédent, chroniqué si je ne m'abuse sur notre website préféré par mon GDO préféré ; et, plus significativement, sur la suite - qu'est-ce que ça doit être chouette que d'entendre ce rageur et libérateur "dig a hole", en concert en plein air sous le soleil !

Window Tax de Maxwell Farrington & Le SuperHomard

site internet: : Talitres