À découvrir absolument

Sarah Maï

Alix de Stermaria — 2026-07-23T09:16:24Z

« L'ennui est pire sous le soleil, j'attends la nuit, collée au ventilo ». Tandis qu'entre monotonie des jours arides et thermomètre coincé dans le rouge nous mijotons à petit feu, paroles de circonstances, qui introduisent l'addictive ritournelle Minori, merveille de bedroom pop synthétique, avec ses claviers bleutés, sa boîte à rythmes noyée de réverbération et sa mélodie entêtante, paisible, évoquant une Mylène Farmer à taille humaine – un ravissement. Il y a que la rennaise Sarah-Maï, dont nous avions il y a deux ans particulièrement apprécié le EP À l'opposé, œuvre dans une pop francophone sans œillères ni snobisme, minimaliste et inspirée, jamais avare de cette sensibilité à fleur de mots qui transparaît dans les compositions de son nouvel opus, Sous la tonnelle. Et sous la tonnelle de Sarah-Maï, on trouve quoi ? Une collection de chansons atmosphériques, aussi douces que délicates, des comptines, des complaintes, des berceuses, bâties sur de courtes boucles d'accords, des motifs répétitifs et des ondées vaporeuses. A l'instar de son camarade de label MacThenardier, Sarah-Maï raconte le petit – sa vie (ou le monde) – pour mieux parler du grand – le monde (ou sa vie) : toute mélancolie diffuse incluse, ses textes pointillistes s'attachent aux mille détails, même invisibles, qui nourrissent nos existences. La multi-instrumentiste n'en reste pas moins espiègle : le chaloupé Cerises nous rappelle Mathieu Boogaerts, tandis que sur la ballade bariolée et groovy Sous la tonnelle, elle invite l'artiste Pâte à Sel, avant de reprendre – dans une version bien plus reposante – le Una calle nos separa de l'argentin Néstor en Bloque. Se clôturant sur le nostalgique Les tapis d'hier, le troisième EP de Sarah-Maï est un remède contre la sociopathie : à défaut de se castagner dans les supermarchés pour un ventilateur en toc, l'on pourra toujours rêvasser sous cette tonnelle, magiquement ombragée.

Sous la tonnelle de Sarah Maï

site internet: : Entre-soi, Carpaccio Cathedrale

Josh Mason

gdo — 2026-07-23T09:11:56Z

Kicking a Dark Horse n'est pas seulement un disque. C'est aussi un livre, pensé pour dialoguer avec la musique plutôt que pour l'accompagner. Les deux avancent de concert, sans que l'un n'explique l'autre. Une invitation à prendre son temps, à accepter de ne pas tout saisir immédiatement, comme on entrouvrirait une porte sur un territoire dont on ignore encore les contours. On estime que près de 95 % des profondeurs marines demeurent aujourd'hui inexplorées. À l'écoute de Kicking a Dark Horse, on se dit que Josh Mason s'est donné pour mission d'en rapporter une bande-son.

La descente est progressive. Très vite, les repères disparaissent. Les sons ne cherchent jamais à nous guider ; ils signalent simplement une présence. On croit distinguer des poissons aux formes improbables, des créatures que l'on devine davantage qu'on ne les observe, tandis que des bruits venus des profondeurs nous alertent sans jamais nous indiquer une direction. Rien n'est véritablement inquiétant, mais tout demeure profondément étranger. Cette musique électronique ne relève ni de la déconstruction ni de la reconstruction. Elle flotte entre deux eaux, comme si Josh Mason avait renoncé à toute démonstration pour privilégier l'immersion. Les textures s'étirent avec une lenteur presque organique, dessinant une matière liquide dans laquelle il devient difficile de distinguer ce qui appartient à la mélodie, à l'ambiance ou au simple mouvement de l'eau.

L'écoute possède d'ailleurs quelque chose d'éminemment physique. Les paupières s'alourdissent, la respiration ralentit, le temps semble perdre toute consistance. Mieux vaut sans doute éviter de découvrir ce disque au volant d'un véhicule. Non parce qu'il manquerait d'intérêt, mais parce qu'il installe un état de disponibilité proche de la méditation. Une musique qui invite davantage au relâchement qu'à la vigilance.

À mesure que l'on progresse, un étrange paradoxe s'impose. Derrière cette abstraction électronique se cache une douceur inattendue, presque pastorale, presque monacale. Comme si, au fond de cet océan imaginaire, subsistait un monastère oublié dont le silence aurait simplement changé de texture. Le livre prolonge naturellement cette expérience. Il ne sert jamais de mode d'emploi, pas plus que la musique n'illustre les textes. Les deux objets se répondent, se croisent, s'éloignent parfois pour mieux se retrouver. On passe de l'un à l'autre comme on dériverait entre deux courants marins, sans toujours savoir lequel nous entraîne réellement.

Reste la question de la durée. Près d'une heure passée dans cet univers demande une disponibilité peu commune. À plusieurs reprises, l'envie de refaire surface se fait sentir, simplement pour reprendre son souffle avant de replonger. Ce n'est pas un reproche, mais la conséquence logique d'une œuvre qui privilégie l'immersion à l'efficacité immédiate.

Kicking a Dark Horse n'est pas un disque que l'on consomme distraitement. Il demande d'accepter de perdre ses repères, de laisser le temps s'étirer et les sensations prendre le pas sur les certitudes. On n'y reviendra sans doute pas chaque semaine. Mais lorsque l'envie de disparaître quelques instants sous la surface se fera sentir, ce disque — et le livre qui l'accompagne — deviendront des compagnons de plongée dont on acceptera volontiers les silences autant que les mystères.

Kicking A Dark Horse de Josh Mason

site internet: : Greyfade

Pond

Alix de Stermaria — 2026-07-23T08:14:44Z

Les ravages de la distraction. Ou de la sénilité précoce, allez savoir. Parcourant la liste des sorties musicales de ces dernières semaines, je m'exclame : « Oh, un nouveau Bardo Pond, ils existent encore ?!! ». Non, pas que je sois fan du combo pennsylvanien, mais les années 90 parfois me manquent, y compris les groupes qui évoluaient en deuxième division et qu'à l'époque évidemment je snobais. Avec le onzième album des australiens de Pond, formé en 2008 par des membres de Tame Impala, j'en suis pour mes frais : la machine à remonter le temps déraille, direction les années 80 et un étrange revival goth-pop ressuscitant guitares scintillantes, halos de chorus et de réverbération, nappes de synthé liquoreuses, batteries qui jouent comme des boîtes à rythmes et choucroute-dans-les-cheveux à la Ian McCulloch ou Siouxsie Sioux. Zut. Tout n'est pas à jeter, mais la forme sans le fond, c'est à dire sans mélodies qui tuent, ça tourne vite à l'exercice de style stérile, voire à la citation - The B-52's sur l'introductif Skyworks, ce bon vieux Lawrence sur le racé Two Hands, les Only Ones (ou les Undertones) sur Personal Hell et les Midnight Oil un peu partout, sachant que la plupart des compositions sont alourdies par des ponts psychédéliques et des riffs de guitare hard-rock light dignes de The Knack. Pour attirer le chaland naïf, Nick Allbrook et ses acolytes brandiront l'étendard « Goths at the Pub » : las, nul gothique dans ce pub vide, où seuls quelques poivrots traînent au comptoir, se chamaillant pour savoir qui - de Bon Scott ou de Brian Johnson - est le meilleur chanteur d'AC/DC, avant de s'enfiler une mare de bière tiède. [Pond, ça veut dire étang.] [oui, je sais que ça ne se fait pas d'expliquer les blagues, mais je suis certain que vous n'auriez pas compris] [tout ça pour dire que je ne savais pas comment terminer la chronique d'un disque que je n'avais pas prévu d'écouter].

Terrestrials de Pond

site internet: : Mangovision

Jan Jelinek & Alan Abrahams

gdo — 2026-07-23T08:05:43Z

Tout commence comme si l'on entrouvrait une fenêtre sur le monde. Quelques sons glanés ici et là, un field recording en guise d'apéritif, puis l'impression que la musique hésite encore sur la direction qu'elle souhaite emprunter. Elle ne tarde pourtant pas à révéler son véritable visage : celui d'un dialogue permanent entre la chair et la machine.

À première vue, on pourrait imaginer David Bowie revenu explorer les territoires laissés en friche par le Beta Band. Mais ce serait oublier le goût presque obsessionnel de Jan Jelinek pour le détail, cette manière de ralentir le temps afin de laisser apparaître tout ce qui échappe habituellement à l'oreille. Ici, la production ne cherche jamais à impressionner ; elle préfère dévoiler patiemment les coutures mêmes du son.

Les mélodies semblent constamment reléguées au sous-sol. Elles existent, bien sûr, mais comme enfouies sous des couches successives de textures, de souffles et de parasites. Ça craque, ça gratte, ça pique. Les clics électroniques et les accidents sonores deviennent des acteurs à part entière, brouillant sans cesse la frontière entre composition et matière brute.

On pense parfois aux explorations de David Byrne et Brian Eno, ailleurs à un John Cale qui aurait choisi de confier ses intuitions à des machines goguenardes, toujours prêtes à déjouer ce que l'on croyait acquis. Pourtant, Take Me, I'm Yours ne s'installe jamais dans la simple expérimentation. Une fois le filtre accepté, une autre écoute apparaît. Les aspérités cessent d'agresser pour devenir apaisantes, comme si, derrière cette agitation électronique, se cachait soudain le calme d'un nihon teien, un jardin japonais où chaque pierre semble posée avec une précision infinie. La voix d'Alan Abrahams participe pleinement à cette métamorphose. Tantôt présente, tantôt dissoute dans les traitements numériques, elle n'impose jamais un récit. Elle suggère davantage qu'elle n'affirme, laissant aux machines le soin de prolonger ses silences autant que ses mots. Ce qui aurait pu devenir un simple exercice de déconstruction prend alors une tournure beaucoup plus ludique.

Car c'est peut-être cela qui surprend le plus. Malgré son apparente austérité, ce disque joue. Il avance à tâtons, teste des idées, se répond à lui-même, provoque des collisions inattendues avant de retrouver un équilibre fragile. On assiste moins à une démonstration de virtuosité qu'à une conversation où chacun accepte de se laisser déplacer par l'autre.

Take Me, I'm Yours est un disque qui demande un peu de patience, mais qui finit par transformer le bruit en paysage. Une œuvre où les parasites deviennent des couleurs, où les silences prennent autant d'importance que les notes, et où le dialogue entre deux artistes ouvre un espace que ni l'un ni l'autre n'aurait sans doute pu atteindre seul.

Take me, I'm yours de Alan & Jan

site internet: : Faitiche

A Place To Bury Strangers

Alix de Stermaria — 2026-07-17T10:19:51Z

Considérés à leurs débuts comme étant le groupe live le plus bruyant de New-York, les A Place To Bury Strangers creusent – depuis les années 2000 – le sillon d'un rock shoegaze, noise et post-punk éminemment intense, se forgeant une sacrée réputation scénique et un répertoire tout aussi consistant, qui s'est en 2024 enrichi d'un septième album, le cathartique Synthesizer. Un opus pas simple à approcher, mais symptomatique de l'approche expérimentale d'Oliver Ackermann et ses acolytes, le bassiste John Fedowitz et la batteuse Sandra Fedowitz. Un Oliver Ackermann – par ailleurs patron du label Dedstrange et de la marque de pédales d'effet Death By Audio – que l'on retrouvera seul aux manettes de la compilation Rare And Deadly, qui rassemble des morceaux – ébauches, outtakes, versions alternatives – enregistrés entre 2015 et 2025. Sur le papier, ça ne fait pas forcément rêver, d'autant plus si l'on est peu familier avec l'œuvre des New-yorkais, mais l'on se rappellera à quel point le Singles, B-Sides and Live publié en 2006 par Electrelane était exceptionnel. Jurisprudence face B, donc, et [spoiler] Rare And Deadly est carrément au niveau. Alors certes, Oliver a eu la bonne idée (de merde ?) de proposer un tracklisting différent selon le support, ce qui - si vous êtes complétionniste – vous obligera à acheter le CD, le vinyle et la cassette audio, mais quel plaisir que de se prendre dans la tronche le mur du son Song For Girl From Macedonia, que de planer sur le bouillonnant Out Of Place (TV on the Radio en mood cold-wave), que de se perdre dans le brouillard saturé de Crash, que de se rappeler à quel point les My Bloody Valentine nous manquent (On The Wire) ou que la pop sophistiquée sait être barrée (Dead Inside évoque un mélange entre Devo et Of Montreal). Un des points forts de APTBS, outre son goût pour le potard dans le rouge (cramoisi), c'est sa capacité à transcender ses nombreuses influences, pour en proposer une relecture tout à fait personnelle et, en ce sens, l'excellent Rare and Deadly est un véritable jeu de piste bruitiste. En vacances, ça vous changera du sudoku, des mots-croisés ou du prêchi-prêcha de votre tatie trotskiste.

Rare And Deadly de A Place To Bury Strangers

site internet: : Dedstrange

The Blood Arm

gdo — 2026-07-17T10:06:17Z

Certaines rééditions ressemblent à des fouilles archéologiques. Elles permettent de remettre en lumière des disques devenus presque mythiques, longtemps réservés aux collectionneurs. Bomb Romantics, premier manifeste discographique de The Blood Arm, appartient à cette catégorie. Enregistré à toute vitesse dans un garage de Los Angeles au début des années 2000, il retrouve aujourd'hui une seconde vie, avec ses qualités intactes... et quelques défauts que le temps n'a pas totalement effacés.

Dès les premiers morceaux, difficile de ne pas se laisser entraîner. On imagine les Strokes terminer leur soirée dans un cabaret dont Peter Doherty aurait discrètement récupéré les clés. Tout vacille avec suffisamment d'élégance pour donner l'impression que l'accident fait partie du spectacle.

Cette insouciance constitue d'ailleurs la grande force du disque. Né dans l'urgence, porté par un groupe qui n'avait ni véritable plan de carrière ni moyens considérables, Bomb Romantics respire cette époque où l'on enregistrait avant tout pour capturer une énergie. Cette spontanéité irrigue encore aujourd'hui des chansons qui semblent constamment sur le point de sortir de leurs gonds.

Le groupe possède également un vrai sens du décalage. Opportunity Knock donne l'impression que les Rolling Stones seraient revenus d'un improbable voyage dans le futur avec quelques drogues de synthèse dans les poches, suffisamment pour dérégler leur rock sans jamais lui faire perdre son pouvoir d'attraction. L'absence revendiquée de bassiste, remplacé par les claviers de Dyan Valdés, participe d'ailleurs à cette sensation permanente de déséquilibre.

Mais l'euphorie des débuts finit par se diluer. Treize morceaux, c'est beaucoup pour une musique qui repose avant tout sur l'énergie de l'instant. À mesure que le disque avance, l'effet de surprise s'émousse. Là où Fontaines D.C. parvient à maintenir une tension presque permanente, The Blood Arm donne parfois l'impression de tourner autour de ses meilleures idées.

Même une échappée vers des accents ska (O Passionate One) ne suffit pas vraiment à relancer la machine. Les chansons conservent leur panache, mais l'ensemble finit par provoquer une légère indigestion.

C'est presque paradoxalement dans ses derniers instants que le disque retrouve un supplément d'âme. Hey Girl possède ce parfum des fins de soirée où les lumières se rallument lentement, où les conversations deviennent plus sincères parce qu'il ne reste plus grand monde pour faire semblant. Bomb Romantics vaut sans doute davantage comme photographie d'un moment que comme album irréprochable. Il capture un groupe au moment précis où tout semblait possible, avec cette fougue propre aux débuts. On en ressort partagé : frustré par une longueur qui émousse l'impact des chansons, mais suffisamment séduit par leur énergie pour comprendre pourquoi, plus de vingt ans après, ce disque méritait enfin de sortir de l'ombre.

Bomb Romantics (2026 Remaster) de The Blood Arm

site internet: : Rip Ben Lee Records

My Raining Stars

gdo — 2026-07-17T08:28:04Z

Les lecteurs du webzine s'en souviendront peut-être : en 2008, My Raining Stars figurait déjà au programme du quatorzième volume de nos compilations. Dix-sept ans plus tard, le groupe n'a rien perdu de cette capacité à écrire des chansons qui semblent échapper au temps.

À l'écoute de Toy Club, me reviennent les années FAC. Les lendemains d'émission de Bernard Lenoir où je faisais le pied de grue devant Vitamine C, à Reims, dans l'espoir de mettre la main sur les dernières sorties qui faisaient les beaux jours du Melody Maker ou du NME. Une époque où chaque disque découvert donnait le sentiment d'ouvrir une porte vers un monde nouveau. Ce qui frappe d'emblée, c'est justement cette intemporalité. Les guitares n'ont jamais besoin de hausser le ton pour imposer leur présence. Elles restent souvent en arrière-plan, laissant les mélodies respirer avec une élégance rare. Une pop qui traverse les décennies sans prendre une ride, comme la bande-son idéale de nos années de coups de cœur. Impossible de ne pas penser à The Wonder Years, cette série qui continue, pour beaucoup d'entre nous, à évoquer une certaine idée de la jeunesse.

Cette impression tient sans doute aussi à la manière dont Toy Club a vu le jour. Fruit des retrouvailles entre Thierry Haliniak et son complice de longue date Didier Frahier, l'album repose sur une idée aussi simple qu'intelligente : faire confiance à un autre regard pour réinventer des chansons déjà écrites. Une collaboration qui ne gomme jamais l'identité de My Raining Stars, mais lui offre une respiration nouvelle.

Certaines chansons semblent pourtant aller droit au cœur avec une facilité déconcertante. In His Heart porte admirablement son nom. C'est un véritable attrape-cœur, de ceux qui s'imposent sans effet de manche, simplement parce qu'ils trouvent immédiatement leur place en nous.

Et puis il y a cette sensation délicieuse que procure l'ensemble du disque. Comme une madeleine de Proust relevée d'un simple zest de menthe. Le souvenir est bien là, mais il ne s'abandonne jamais à la nostalgie facile. Il garde une fraîcheur intacte, comme si le temps avait finalement décidé d'épargner ces chansons.

Le principal défaut de ce genre d'album est aussi sa plus belle qualité. Il donne immédiatement envie de rouvrir les cartons remplis de disques achetés compulsivement au détriment de quelques repas d'étudiant (Ride, Oasis, La's....), de replonger dans une discothèque patiemment construite au fil des années et, accessoirement, de prendre un peu de retard sur tout le reste. Mais quel plaisir d'oublier le temps qui passe lorsqu'une chanson comme As Far Back vient nous rappeler que la nostalgie peut être touchante sans jamais devenir pesante.

Toy Club ne cherche pas à faire revivre une époque. Il rappelle simplement qu'une belle chanson n'a pas d'âge. Et qu'il suffit parfois de quelques guitares cristallines pour retrouver, intact, le plaisir presque adolescent de tomber amoureux d'un disque.

Toy Club de My Raining Stars

site internet: : Too Good To Be True records et Shelflife Records

underscores

Alix de Stermaria — 2026-07-16T14:25:25Z

Un beau jour, on ne sait pas trop quand, mais très récemment, les artistes ont décidé d'écrire leurs flamboyants patronymes en lettres MAJUSCULES. Les acronymes, on comprend, mais pour le reste, aucune idée de pourquoi, sauf à vouloir se démarquer de la concurrence, puis moutonner. Ensuite, sont apparus les artistes aux patronymes sans lettres majuscules. Les lettres majuscules, ça manque de douceur, c'est affirmatif, voire totalitaire, et en plus ça consomme de l'encre, supprimons-les. Tout ceci s'appliquant désormais également aux titres des chansons, nous voilà – tentant de ne froisser personne, et surtout pas la si sensible scène Midwest emo contemporaine – à jongler, dans nos chroniques, avec la typographie. Soupirs. Il en va ainsi de la californienne underscores, chantre d'une hyperpop qui… HYPERPOP ??? Je n'en peux plus, de l'hyperpop !! L'hyperpop, ça consiste à vider dans une casserole le contenu de son garde-manger et tout faire bouillir à 200 degrés, sans se préoccuper de la texture et du goût. Le goût, on s'en fout. L'objectif, c'est pas que ce soit digeste, c'est de synthétiser dans un format court le maximum de registres musicaux. Limite, l'hyperpop, c'est du sport. Mais si c'est du sport, alors c'est de la gonflette. Artistiquement, ça donne des geeks plantés sur une chaise devant leur MacBook, occupés à tripatouiller le logiciel GarageBand, ça donne des morceaux aux sonorités synthétiques qui se ressemblent tous, ça donne du name-dropping électronique stérile, destiné à une génération incapable de se concentrer plus de trois secondes. De la putain de muzak composée au kilomètre, au clavier et à la souris – demain, sans que personne ne s'en émeuve, l'IA prendra le relais et nous débarrassera de ces faussaires. Mais en attendant, puisque ce U – publié en mars dernier et classé chez AOTY dans la rubrique « Albums that will be the next generation's reasons as to why they were born in the wrong generation » – est destiné à truster les bilans de fin d'année, ne faisons pas la fine bouche, je m'y colle. D'une part, il y a que j'aime prendre le pouls de l'époque – aussi irritante soit-elle - et, d'autre part, April Harper Grey affirme avoir injecté dans les neuf compositions de son troisième opus une bonne dose de dubstep – je n'en suis pas fier, mais le dubstep ne me laisse pas insensible. Skrillex dans la bande-son de Far Cry 3, quelle tuerie ! Sauf qu'ici, le dubstep est dilué dans une soupe dance-pop digne de Katy Perry (Tell Me (U Want It) ou mâtinée de future bass (le kawai Music). Niveau influences, on puise dans les années 2000 et 2010 : l'anecdotique Do It rappelle les Black Eyed Peas tandis que, frontale et sinueuse, Hollywood Forever évoque Kesha – on se laissera happer par la virtuosité du dispositif, qui nous maintiendra éveillé jusqu'au minimaliste et néanmoins ample, The Peace, quasi a cappella sur fonds de basses vrillées. On se dit que l'on tient peut-être un truc, un petit truc, que l'album démarre enfin, qu'underscores va nous donner tort. Bah non. À compter de Innuendo (I Get U), sorte de RnB 2.0 teinté de hip-hop, le soufflé retombe, définitivement. Ni inventif, ni original, à l'image des productions Soundclound destinées à illustrer les saynètes gênantes qui inondent les réseaux sociaux, l'ultra-référencé U fait toutefois preuve d'une belle énergie : à vérifier en octobre prochain au Trabendo. [Conseil de Balthazar P. : n'hésitez pas à spéculer sur les billets – tout en vous enrichissant éhontément, vous sécherez les larmichettes de quelque TikTokeur imprévoyant.]

U de underscores

site internet: : Mom+Pop, Corporate Rockmusic

Sunwell

gdo — 2026-07-16T14:25:18Z

La nuit n'est pas un décor. Elle est une matière. Épaisse, presque minérale, elle enveloppe ces chansons jusqu'à brouiller les contours du réel. Très vite, les repères disparaissent. Il ne reste plus qu'un mouvement lent, une respiration qui semble venir d'un lieu où le temps aurait décidé de ralentir.

Les images affluent naturellement. On imagine une rencontre nocturne entre Sigur Rós et Slowdive au cœur d'une forêt noyée dans le brouillard. Plus loin, les Cocteau Twins semblent renaître sous les doigts de Mazzy Star, dans un espace où tout se dilate, où chaque note demeure suspendue quelques secondes de plus qu'elle ne le devrait, où le rythme n'a pas sa place. Pourtant, Sunwell ne se contente jamais d'additionner des influences. Elle construit son propre territoire, un lieu où la contemplation tutoie constamment l'inquiétude.

Car cette musique sait être lourde sans jamais s'effondrer sous son propre poids. Les atmosphères plombantes ne cherchent pas à écraser l'auditeur ; elles le maintiennent dans un état d'apesanteur étrange, entre fascination et abandon.

Le chant participe pleinement à cette sensation. Est-ce une incantation ? Un appel ? Une forme de rituel ancien dont nous aurions perdu la signification ? La voix d'Elya (Deûle, Otto Ruth, Death By Fog, Anastaise) évoque celle d'une sirène qui tenterait de s'extraire de structures musicales aussi évanescentes qu'effrayantes. Elle attire moins par la puissance que par le mystère qu'elle laisse derrière elle.

Même les cloches semblent avoir changé de fonction. Elles ne sonnent plus le rassemblement mais l'inquiétude. Elles résonnent dans le lointain comme si chaque vibration rappelait que l'obscurité pouvait, à tout instant, reprendre le dessus. Alors on continue d'avancer, guidé par une unique certitude : quelque part, un phare persiste. Une lumière discrète, mais suffisamment forte pour empêcher la nuit de tout engloutir.

À cet instant, difficile de ne pas penser aux Cranes. Non par mimétisme, mais par cette même capacité à faire naître la grâce au cœur de la fragilité. Nothing Bothers Me ouvre ainsi une éclaircie qui ne dissipe jamais complètement les nuages ; elle les rend simplement plus habitables.

Puis vient la dernière traversée. Lentement, le disque semble se dématérialiser. Comme un monolithe qui s'effacerait sans bruit sous nos yeux. In the Afterlife possède cette intensité rare des fins qui refusent de conclure. On y retrouve ce souffle suspendu qui accompagne les derniers instants de certaines œuvres dont on ressort incapable de reprendre immédiatement pied dans le réel. Une fin qui ne ferme aucune porte, mais laisse entrouverte celle d'un ailleurs.

I'm Looking at the Light ressemble finalement à une nuit sans lune. Une nuit où l'on avance davantage par instinct que par certitude. Et si cette lumière que promet le titre existe bien, elle n'est jamais aveuglante. Elle est cette faible lueur qui suffit à continuer le chemin lorsque tout autour semble vouloir disparaître.

I'm looking at the light de Sunwell

site internet: : Araki Records

Luke Haines

Alix de Stermaria — 2026-07-16T10:33:56Z

Il est rigolo, ce disque. Après avoir – en 2011 – célébré les catcheurs (9 1/2 Psychedelic Meditations on British Wrestling of the 1970s and Early '80s), le vénérable Luke Haines s'attaque aux magiciens télévisés des Swinging Sixties et de la décennie qui suivit. Ici, point de Garcimore, de Gérard Majax, de Bernard Bilis, mais des Mama Cass, Tommy Cooper et autres Graham Bond, inconnus en nos riantes contrées mais si populaires au Royaume-Uni, terre de sorcellerie – liquider la classe ouvrière en moins d'une génération, chapeau bas. Izzy Wizzy Let's Get Busy, telle était l'incantation vous invitant à regarder le Sooty Show, malheureusement marqué par un scandale d'une ampleur internationale : dans un épisode, l'ourson Sooty et son pote Sweep boivent de la bière au gingembre. Oui. Je sais, ça craint. Imbibé de cette culture populaire au long cours, l'homme derrière rien de moins que les Auteurs, Baader Meinhof et Black Box Recorder, connu pour sa causticité tout autant que son sens de la mélodie, se lance dans un hommage aux héros de son enfance. À quoi faut-il s'attendre ? Bien loin de l'exercice de style stérile ou du défouloir pour musiciens en attente d'inspiration, ce disque est un bonbon. Derrière un visuel complètement barré, Luke Haines nous offre une collection de chansons courtes, bariolées et cohérentes, oscillant entre pop songs acidulées, ballades country-folk bigarrées et comptines boisées. De vraies compositions, donc, enrichies d'arrangements inventifs – chœurs planants, orgues, flûte, et surtout, des solos de guitare fuzzy piquants à souhait. Mentions spéciales à l'entêtante Izzy Wizzy Let's Get Busy – belle mélodie, et puis, quel plaisir de retrouver l'inimitable timbre vocal lancinant de Luke Haines -, la rengaine pixisienne TV's On All The Time (les imitations de cris de loup-garou, trop cool) et la catchy Mick Robertson Says, qui rappelle David Bowie. Malgré quelque temps faibles (l'interminable Tommy Cooper – Chaos Magician), l'ensemble – frais, simple, vivifiant – s'écoute d'une traite. De quoi remettre Izzy Wizzy Let's Get Busy sur la platine ? Pas certain, même si le disque est indubitablement distrayant. Il y a que Luke Haines – depuis le fabuleux New Wave – nous a rendus exigeants. Quitte à évoquer la magie, autant la pratiquer, non ?

Izzy Wizzy Let's Get Busy de Luke Haines

site internet: : Cherry Red