À découvrir absolument

Dinosaur Jr

Alix de Stermaria — 2026-09-08T16:23:58Z

Nonchalance vocale, au service de mélodies accrocheuses, souvent mélancoliques ; longs solos de guitare héroïques, expressifs jusqu'à la liquéfaction ; mur de distorsion brouillardeuse, faussement brouillonne, vraiment cafardeuse. L'inimitable patte sonore de Dinosaur Jr. est telle que, plus de quarante ans après ses débuts discographiques (Dinosaur, 1985), le trio mené par J Mascis semble figé dans le temps. C'est une excellente chose, tant les bases posées à l'époque, puis consolidées avec la trilogie Green Mind (1991), Where You Been (1993) et Without a Sound (1994), étaient solides : de grandes chansons, du genre qui restent en tête et se fredonnent, recouvertes d'une épaisse couche de saturation, d'harmoniques et de lointaines dissonances. Souhaitant retrouver le grain brut des débuts, J Mascis aurait utilisé pour ce nouvel opus le légendaire ampli Mesa Boogie MK1, celui-là même qui fit s'exclamer Carlos Santana : « Man, that little amp really boogies ! ». Sans surprise, les onze compositions de There Near s'inscrivent dans l'ADN du trio d'Amherst, à tel point que l'inaugurale Several Got Away a des faux airs de Freak Scene, tandis que No Friends s'apparente à Feel The Pain. Une sensation troublante, un peu comme si le groupe, se mirant dans un miroir, s'adressait des clins d'œil enamourés. Si l'on poursuit ce jeu des ressemblances, Take Me With You est la nouvelle Start Choppin et Walk Me Back suit les traces de Get Me. Ne vous méprenez pas : oscillant entre power-pop grungy (Gone Off), complaintes midtempo (Everything At Once) et ballades rapides (Blowin' Up, écrite par Lou Barlow, dans une veine très R.E.M.), l'ensemble reste hautement recommandable. Mieux, il se termine sur deux pépites, le slow chaotique Put It Down, qui fait dresser les poils, et la country lo-fi No One's Ready, mariant Neil Young et Sebadoh (normal, Lou est aux commandes). Au-delà du plaisir ludique qu'il y a à jumeler ces nouveautés avec leurs glorieuses aïeules, une seule question persiste : souhaiterait-on réellement que Dinosaur Jr. soit autre chose que Dinosaur Jr. ? Bien sûr que non. Les mélodies traînantes et les solos de guitare à rallonge, qui plus est improvisés, on adore ça. Et tant pis si ça sonne familier, ou mille fois entendu. En ce sens, There Near est un retour aux sources, mais également une manière de dire : « on est encore là ».

There Near de Dinosaur Jr.

site internet: : Jagjaguwar

The Thugs

gdo — 2026-09-08T15:51:52Z

Quelle sueur en ouvrant l'enveloppe contenant le CD des The Thugs. La feuille de presse même pas survolée, le disque glissé dans le lecteur avec une rapidité que je ne me connaissais plus. Les Thugs de retour ? Après avoir fait une croix sur Talk Talk, après la reformation de Sugar et dans l'attente toujours aussi vaine de celle des Smiths, ne serait-ce que pour voir Marr et Morrissey se foutre sur la tronche, il y avait de quoi avoir quelques palpitations.

Quelques secondes d'écoute et le doute. Soit nos Angevins s'étaient mis à la ganga avec une frénésie capable de mettre en difficulté le fournisseur attitré de la mafia marseillaise, soit une erreur de CD s'était glissée dans le fourreau. Mais ni l'une ni l'autre de ces hypothèses : c'est bien The Thugs, mais ceux de Nicola Giunta et Andrea Davi, un projet italien de studio qui explore les territoires du dub, de l'electro-dub, du post-punk et du psychédélisme. Et quelle découverte ! Mighty Tiger Dubs ressemble à une mixtape fumeuse et addictive, parfaitement adaptée à cette période caniculaire où la léthargie devient presque un état naturel. Les basses avancent au ralenti, les machines semblent avoir oublié l'urgence et les angles se dissolvent les uns après les autres.

Le disque donne parfois l'impression d'un Massive Attack qui aurait décidé de s'enfoncer encore davantage dans les brumes du dub, mais sans jamais chercher le grand geste. Ici, pourquoi s'énerver quand on peut faire fondre les pics jusqu'à obtenir une surface parfaitement plane ? Et pourtant, derrière cette apparente tranquillité, le projet raconte une drôle d'épopée : une île pâle, Kali, une attaque d'anaconda, une retraite dans les profondeurs, puis une cérémonie clandestine autour d'un feu avant l'apparition du fameux tigre.

Interdiction ici d'employer le mot tension. Tout est question de relâchement, de répétition et de fumée. Une musique qui semble avoir trouvé son refuge dans les bas-fonds, quelque part entre le dub jamaïcain, les marges du post-punk et une certaine psychédélie souterraine.

C'est presque un cousin de Noir Boy George, mais avec davantage de basses et moins de besoin de regarder derrière lui. L'underground de l'underground, celui où l'on ne cherche plus à sortir du trou mais simplement à y installer quelques lumières colorées.

Et puis il y a le décalage. Écouter Mighty Tiger Dubs au milieu des Vosges, avec la chaleur qui vous colle à la peau et les montagnes autour, produit un effet assez dément. Comme si Nicola Giunta avait envoyé depuis son studio une cargaison de nuit urbaine pour la déposer au milieu de la province. Le plus beau dans tout ça ? Je pensais écouter les Thugs. J'ai découvert The Thugs. Et j'y suis resté.

site internet: : Aagoo Records

Shearwater

Alix de Stermaria — 2026-09-07T18:15:09Z

Pas certain d'être la bonne personne pour évoquer le nouvel album des Texans de Shearwater, d'autant plus que la blogosphère hexagonale a accueilli The New World avec un enthousiasme à la hauteur de l'indigestion qui fut mienne lorsque je posai le disque sur ma platine imaginaire. Ne nous méprenons pas : l'ensemble est d'une musicalité exceptionnelle, digne de Talk Talk, d'Arthur Russell, de David Byrne ou du Tim Buckley période Happy Sad – ce point-là est indiscutable. Par ailleurs, si sophistication il y a, elle réside non pas dans une posture arty dont on pourrait affubler Jonathan Meiburg et ses acolytes, mais bien dans la complexité des arrangements – infusés de jazz, d'ambient et de folk –, la grande variété des textures sonores – ciselées mais organiques, enrichies de field recording – et un instrumentarium aussi foisonnant qu'hétéroclite, où cohabitent cordes et cuivres, piano, percussions africaines (calebasse, tama, yabara) ou synthétiseurs vintage. Cerise sur le gâteau, l'atmosphérique You and Your Dog, sans doute le morceau le plus épuré, accueille cette chère Laurie Anderson, déclamant l'éloignement affectif, la trop lente prise de conscience, les regrets tardifs. Jusqu'ici, rien d'indigne. Alors pourquoi tant de précautions oratoires ? Premier écueil, le chant maniéré – vibrant, habité, théâtral – de Jonathan Meiburg : c'est comme avec Mark Hollis, Chris Isaak ou Morrissey, ça passe ou ça casse. Deuxième difficulté, le mood jazzy de certaines compositions, qui paradoxalement les affadit quand bien même elles se veulent aventureuses. Troisième pierre d'achoppement : de prime abord amical, puisque rien ne froisse l'oreille, The New World nécessite un investissement intellectuel tout autant qu'émotionnel, sous peine de paraître cérébral, distant, voire abscons. Vous voilà prévenus. S'ouvrant sur un lent crescendo pastoral et foisonnant rappelant le Happy Sad cité quelques lignes plus haut (Even Song), le disque s'éloigne du format traditionnel des chansons pop pour mieux en capter l'essence, la sève, la substantifique moelle. Ainsi l'éthérée More and More et sa jam finale très Doors ; ainsi la nerveuse Daydream Unbeliever, belle intensité post-punk ; ainsi l'orchestrale The Only Sound I'm Afraid Of, rappelant Arcade Fire et Led Zeppelin. Références pas très fines, vous en conviendrez, mais avant de m'étriper sur la place publique, attendez d'entendre A Mink in the Dusk, jumeau maléfique de l'affreuse Somebody That I Used to Know de Gotye. L'on planera certes à l'écoute de la longue complainte The High Ranges, l'on s'entichera du refrain entêtant de l'efficace Slugs in the Marigolds ou on se laissera apprivoiser par la subtile Anamnesia, ornée de drones et de murmures… au prix d'un irrémédiable épuisement mental. L'esprit SAIT que The New World est une œuvre ingénieuse, ample et ambitieuse, mais ça manque de tripes : impossible de ne pas visualiser une bande de types en blouse blanche dans un laboratoire – du rock de scientifiques, conçu par des scientifiques, pour d'autres scientifiques, fascinant sur le papier mais totalement asphyxié par son propre intellectualisme. Les étudiants en musicologie apprécieront, les autres, soit le commun des mortels, bonne chance.

The New World (2026) de Shearwater

site internet: : Polyborus Records

Sourdure

Witold Bolik — 2026-09-07T18:15:03Z

Écouter de la musique chantée en occitan redonne la sensation enfantine de toute cette musique où je ne comprenais rien aux paroles, bien longtemps avant de me faire l'oreille à l'anglais. Ce serait déjà un premier plaisir du disque de Sourdure, mais, à côté de cette question de la langue, qui fait sonner le projet d'Ernest Bergez de Sourdurent (collectif thiernois à ne pas confondre, ou alors à confondre mais pas trop, comme l'indique la sibylline équation sur le Bandcamp : « Sourdure=1/2 Sourdurent ») comme une émanation d'une entité extra-terrestre plutôt gentille, quoique volontiers noisy, nous avons à chaque plage une petite aventure musicale, du biniou saturé samplé qui évoquera curieusement des sonorités orientales, des rythmiques qui elles font pulser le souvenir ému du hip hop dingo-bilingue des Fabulous Trobadors : redécouverts à l'occasion d'un brade-disques, ces derniers m'ont semblé sous-estimés, et j'ai aimé le disque où la franche atmosphère d'amitié y était la porte ouverte à l'expérimentation autant sonore que sociale, citoyenne, politique. Si l'on doit faire un peu de chroniquologie comparée, en partageant les mêmes grands-parents, Sourdure m'évoquera un cousin plus véner et sauvage des jouasses Trobadors sus-nommés : plus sombre-minier du Creux de l'Enfer que touloussolaire, plus ardu, plus à part, moins tchatcheur sans conteste, mais sachant manier aussi bien la ligne minimale (ou modeste, simplement) de comptines du fond des temps que l'infrabasse inattendue. L'expérimentation s'y penchera plus sur la linguistique, avec des dialogues avec les machines et des jeux sur les phonèmes (Flor ou Peira avec un sample d'Yves Rouquette). Sourdure sera aussi davantage de notre temps et donc muni d'une dose d'optimisme à l'avenant : quasi-néant. Je n'y chercherai pas la blague ou la petite mélodie pop mais plutôt des grincements et de la poésie sonore. Le magique Rauba entraîne l'auditeur sur une boucle de piano déprimant où voix neutre, vaguement souriante, violon, bruits, effets portent une mélancolie, je ne sais pas, peut-être néo-trip-hopienne, en tout cas vachement belle, un morceau frissonnant, fou ce qu'il faut, un des plus réussis pour moi. Pauvre cirque tape fort aussi, avec l'étonnante Eloïse Decazes (Ah, celle d'Arlt et de Dona Inês !) qui rend le français tout aussi mystérieux qu'une autre langue inconnue. Il y a bien des moments de décrochages pour moi (serait-ce expérimental si l'on ne se perdait jamais) dans cette collection de chansons, mais la démarche sans concession et cette façon piquante de tous côtés d'arroser les racines occitanes sans laisser la moindre prise à la récup réac tradi puante (j'habite près de Béziers...), en ouvrant de salutaires brèches à coups de mortiers, de samplers et de binious, ça fait du bien. Big up à Sourdure, ah ça se dit plus ? Big Oc alors, macarel !

Outredore de Sourdure

site internet: : Pagan/Murailles music

Tricky

Alix de Stermaria — 2026-09-04T15:29:39Z

Six ans après un Fall to Pieces hanté par le décès de sa fille Mazy Mina, le prestidigitateur de Bristol signe un retour en son nom propre, avec ce qui est peut-être son plus grand tour de magie : si la plaie n'est pas cicatrisée – et elle ne le sera probablement jamais –, Adrian Thaws, délaissant ses projets parallèles, revêt à nouveau le costume de Tricky, figure ambivalente du trip-hop de la grande époque, pour nous offrir un album étonnamment accessible. Il faut savoir que les compositions de Different When It's Silent étaient initialement destinées à une collaboration avec Mitch Sanders, mais Alan McGee – le nouveau manager du Tricky Kid – ne l'entendit pas de cette oreille : il était temps pour le Nearly God de se remettre en selle, alors la carrière naissante du jeune Mitch attendra. Bonne idée ? Pas certain, tant l'interprétation de Mitch Sanders, en dépit d'une technique irréprochable, d'une tessiture vocale multi-registres et d'envolées lyriques qui se veulent poignantes, sonne impitoyablement lisse. Limite, le gars chante trop bien, trop propre, trop maîtrisé, eu égard à des instrumentaux plus embryons qu'aboutissements, plus maquettes qu'orfèvreries, plus boucles que progressions d'accords – c'est justement ce côté brut de décoffrage qui donne tout son sel aux quatorze morceaux d'un Different When It's Silent teinté de slowcore (la ritournelle I Still See Me There, entre Archive et Low Roar), de krautrock (l'enveloppant I'm Yours) et de garage (Frontier Town évoque les Black Keys). Ceci dit, une fois accoutumé au timbre de voix de Mitch Sanders, et malgré un I Tried décousu où il se prend pour Muse ou ce Paris Maybe emo-pop un peu gênant, on se laisse aller à apprécier l'aspect ouvertement mélodieux de l'ensemble. Sommets que l'électro garage Because I Don't Know, rappelant TV On The Radio, le spoken-word poignant Marinade et la rengaine alt-folk Hengrove Blues. Si Tricky, désormais installé à Toulouse, n'en oublie pas ses racines hip-hop (le lancinant Radana) et son sens aigu du syncrétisme (la cavalcade électro garage-goth Out of Place, avec la fidèle Marta Zlakowska), il a clairement entrouvert la fenêtre de son bunker mental. Impossible de savoir si c'est un mal pour un bien ou l'inverse, mais on est content de prendre de ses nouvelles.

Different When It's Silent de Tricky // False Idols

site internet: : False Idols

Guy Offenbach

gdo — 2026-09-04T15:19:31Z

Une salle de bal vide, à peine éclairée par un lustre immense dont la majorité des ampoules ont rendu l'âme.

Une estrade, des rideaux gris métallisés, deux couples de danseurs, la cravate du chanteur dénouée. Il y a un côté Chris Isaak dans cette scène, mais très vite on se retrouve chez David Lynch, dans cet entre-deux où les souvenirs semblent avoir été tournés sur une pellicule trop vieille pour être encore tout à fait réelle. Avec Lo Amiti, Guy Offenbach revient dans la ville de son enfance avec ses fantômes, ses histoires d'amour peut-être imaginaires, ses déceptions qui recommencent en boucle. Haïfa n'est d'ailleurs pas simplement le décor du disque, elle en devient presque un personnage : les escaliers de béton, l'humidité, les rues que l'on croyait connaître et qui, avec le temps, finissent par ressembler à des décors de cinéma.

Il y a quelque chose de fatigué dans ces chansons, mais de tout à la fois réjouissant. Une fatigue qui ne cherche pas à se plaindre. Plutôt celle d'un type qui aurait beaucoup couru pour finalement revenir exactement là où il avait commencé.

Musicalement, tout semble avoir été laissé volontairement dans cette poussière. Le souffle de la bande, les réverbérations un peu trop présentes donnent aux chansons cette patine de vieux disque retrouvé au fond d'un bac. On pense aux slow-dances, au rock'n'roll déviant, à Joe Meek, mais surtout à cette esthétique rétro-futuriste où le romantisme semble toujours sur le point de basculer dans quelque chose de plus inquiétant.

Une sorte de chanteur de charme qui se serait retrouvé dans un no man's land décrépi.

Et pourtant, Guy Offenbach continue de chanter.

C'est peut-être là que Lo Amiti devient le plus touchant. Derrière l'ironie, derrière cette manière de regarder les blessures avec une distance presque cynique, il reste une solitude bien réelle. Les chansons peuvent donner l'impression de ne plus croire à grand-chose, mais elles continuent de chercher quelque chose : une présence, un souvenir auquel se raccrocher, peut-être simplement une raison de remettre la musique en marche.

Alors les couples continuent de danser sous le lustre à moitié éteint.

On ne sait pas très bien s'ils sont heureux, s'ils se souviennent de l'avoir été ou s'ils jouent simplement le rôle qu'on attend d'eux.

Mais la chanson, elle, continue.

Et dans cette boucle un peu bancale, entre nostalgie, humour froid et mélancolie, Guy Offenbach trouve finalement une beauté assez inattendue.

site internet: : Autoproduction

Syd Matters

gdo — 2026-09-04T13:43:54Z

C'est une marotte, mais la réception des premières démos de Syd Matters sur un CD-R reste pour moi un grand moment d'émotion dans ma vie de chroniqueur à la petite semaine. Il y avait quelque chose dans cet objet, dans cette musique qui arrivait presque sans prévenir, et surtout dans la sensation de tenir entre les mains quelque chose dont on ne savait pas encore ce qu'il allait devenir.

Syd Matters fait partie de ces groupes-là.

L'absence a pourtant fini par s'installer. Jonathan Morali n'a jamais vraiment disparu, entre le cinéma, les bandes originales, le théâtre, quelques apparitions ici ou là, mais cela ne remplace pas Syd Matters. Enfin, surtout pour moi, qui ne joue qu'à FIFA et qui avais donc peu de chances de le retrouver là où il s'était caché. Et puis Armageddon Time, le morceau qui ouvre ce nouvel album, arrive et, dès les premières notes, quelque chose se remet en place. Nous sommes en terrain connu, mais il nous manquait tellement qu'il est presque inédit.

C'est sans doute le paradoxe de A Gospel of Some Sort. Le disque ne cherche jamais à faire table rase du passé. Il revient avec cette douceur mélancolique qui était déjà là, cette science de la mélodie qui donne envie de lui mettre une robe du soir magnifique mais jamais ostensible. Rien ne dépasse. Rien ne cherche à impressionner. C'est de l'orfèvrerie, de très bon goût. Et surtout, il faut lui laisser du temps.

On n'écoute pas Syd Matters comme un autre artiste. Comme chez Mark Hollis, il y a ces disques qui refusent de vous donner immédiatement ce que vous êtes venu chercher. Il faut attendre, laisser les morceaux s'installer, accepter de ne pas tout comprendre tout de suite. Puis un matin, sans prévenir, ils vous attrapent.

The Devil m'a attrapé un matin brumeux, une tasse de thé chaude à la main. Il ne s'est pourtant rien passé d'extraordinaire. Une chanson, un moment, une lumière particulière. Mais quelque chose s'est déplacé. L'instant s'est transformé. Et il est encore là, quelque part dans ma mémoire. C'est peut-être dans ces moments-là que l'on comprend le mieux ce disque. Car derrière les mélodies, il y a une gravité nouvelle, une religiosité diffuse, comme si Jonathan avait accumulé, absorbé tout ce qui nous obsède désormais : le doute, la solitude, la culpabilité, la fin du monde, la recherche d'une lumière quand on ne sait plus très bien d'où elle pourrait venir.

Le titre A Gospel of Some Sort dit assez bien cette ambiguïté. Un gospel, oui, mais de quelque chose. De quoi exactement ? Le disque ne répond pas. Et c'est heureux. Il préfère laisser planer cette question, comme une possibilité de croire encore sans savoir précisément en quoi.

La musique devient alors une manière de traverser.

Pas de nier les ténèbres, pas de nous vendre une quelconque rédemption, simplement avancer avec elles. In the Darkness nous entraîne ainsi vers Ténèbres, pièce monumentale où l'influence de Steve Reich affleure. La répétition ne nous enferme pas, elle nous élève. C'est presque paradisiaque, cette manière qu'a le morceau de nous faire perdre pied sans jamais nous faire tomber.

Et c'est là que Syd Matters retrouve quelque chose de précieux : cette capacité à faire de la fragilité une force. La voix peut devenir presque spectrale, les arrangements se réduire à l'essentiel, sans que jamais le morceau ne paraisse nu. Tout est à sa place, jusque dans les silences. On pourrait reprocher à cette musique de ne jamais hausser le ton, de rester dans cette élégance permanente qui pourrait parfois confiner au confort. Mais ce serait oublier que Syd Matters n'a jamais eu besoin de grands gestes. Leur force est précisément là, dans ce qui se passe presque en dessous du morceau, dans ces émotions qui arrivent après coup, lorsque la musique a déjà cessé de jouer.

Puis Nuclear ferme la porte.

Devant nous, une ligne d'horizon. On aimerait qu'elle soit lumineuse, forcément. Mais qui sera l'auteur de cette lumière ? Le disque ne tranche pas. Il nous laisse juge, tout en nous aiguillant doucement vers cette recherche d'une forme de félicité, ou vers celle que David Lynch questionnait.

Le plus beau, finalement, est peut-être que Syd Matters ne cherche pas à nous rendre ce que nous avions laissé derrière nous. Il nous offre quelque chose qui lui ressemble toujours, mais qui porte aussi les traces du temps passé.

Le CD-R des débuts est loin.

Le frisson, lui, est intact.

A Gospel of Some Sort de Syd matters

site internet: : Because Music

Hassan K.

gdo — 2026-09-03T18:33:35Z

On a tous connu ces attractions foraines où l'on monte en pensant passer un bon moment avant de comprendre, une minute plus tard, que le responsable de la sécurité est probablement parti déjeuner. Gharbzadeh procure exactement cette sensation. Ça secoue, ça cogne, ça désoriente. On en ressort avec les jambes flageolantes et cette légère nausée qui accompagne parfois les expériences dont on ne sait toujours pas si elles nous ont procuré du plaisir ou si elles nous ont simplement survécu.

Le projet d'Hassan K., alter ego du Franco-Iranien Keyvane Alinaghi, ne cherche jamais à faire cohabiter paisiblement les styles. Il les percute de plein fouet. Les senteurs orientales tentent de conserver leur équilibre au milieu de rythmiques tapageuses, de guitares sauvages qui semblent perdre une roue à chaque virage, d'électronique bondissante, de métal, de math rock, de surf music iranienne et d'une multitude d'accidents sonores qui ressemblent parfois davantage à un chantier en activité qu'à un studio d'enregistrement. Pourtant, derrière cette apparente anarchie, le disque raconte autre chose : un pays traversé par les fractures de son histoire, pris entre héritage et occidentalisation, sans jamais transformer son propos en leçon de géopolitique. L'impression dominante reste celle d'un gigantesque grand huit musical. Chaque morceau ouvre une nouvelle porte, souvent pour la refermer avec fracas quelques secondes plus tard. (Baba Karam) constitue sans doute le point culminant de ce pilonnage en règle. Tout semble vouloir s'y entrechoquer dans une euphorie quasi incontrôlable, comme si chaque instrument cherchait à raconter une histoire différente sans jamais accepter de céder la parole. Le plus déroutant demeure cette capacité à faire dialoguer des mondes qui, sur le papier, n'auraient jamais dû partager la même pièce. Ici un violon espiègle vient provoquer des guitares déraillées, là des pulsations techno rebondissent sur des rythmiques traditionnelles avant qu'une déflagration métallique ne vienne remettre les compteurs à zéro. Hassan K. refuse obstinément le folklore de carte postale. Il préfère bousculer une culture millénaire au contact des sons d'aujourd'hui plutôt que de la figer dans une vitrine.

Douze morceaux plus tard, difficile pourtant de prétendre avoir trouvé le fil conducteur. Ou plutôt, il existe bien un fil, mais il s'emmêle volontairement entre les jambes de ce mariage improbable entre Moyen-Orient, rock, électro, métal et expérimentations bruitistes. La cohérence semble parfois portée disparue, remplacée par une fuite en avant permanente où chaque idée chasse la précédente avant même d'avoir totalement existé.

C'est probablement ce qui divisera. Certains parleront d'un laboratoire sonore fascinant, d'autres d'une indigestion en règle. Pour ma part, je me situe quelque part entre les deux. J'admire profondément la liberté de ton, l'absence totale de compromis et cette volonté de ne jamais folkloriser les racines iraniennes du projet. Mais j'aurais parfois aimé que ce train fantôme ralentisse quelques instants pour me laisser reprendre mon souffle avant de repartir de plus belle. Un disque qui ne demande pas simplement d'être écouté. Il exige qu'on accepte de perdre l'équilibre.

site internet: : Carton records

Lambchop

Alix de Stermaria — 2026-09-03T15:18:47Z

Par délicatesse, je vous épargne la signification de l'expression argotique Punching The Clown, qui sonne comme un paradoxe tant le nouvel album de Lambchop est d'une élégance sans égale. Il faut dire que le procédé à l'œuvre derrière les douze compositions de l'inoxydable Kurt Wagner, enregistrées en trois jours dans le studio de Justin Vernon (Bon Iver), offre au natif de Nashville un terrain de jeu aussi lumineux qu'élégiaque. Apparu en Écosse au XVIIe siècle et infusant la country-folk des Appalaches puis le gospel et le blues, le lining out est une forme de chant a cappella basée sur l'appel et la réponse, qui voit l'assemblée reprendre en mélodie les psaumes scandés par le meneur – anciennement, un clerc ; aujourd'hui, ce bon vieux Kurt Wagner. Ici, les chœurs, dirigés par Blake Morgan, sont assurés par le London Choir et l'Eau Claire Vocal Sextet. Soit dix-huit gorges déployées, face à un instrumentarium particulièrement dépouillé : une guitare folk, un banjo, une basse discrète, une vielle à roue et des castagnettes. Le contraste entre la luxuriance des harmonies vocales et les arrangements à l'os permet aux chansons du dix-septième opus de Lambchop de déployer une beauté susceptible de vous coller le grand frisson, et ce même quand la tonalité est radieuse, à l'image des sommets que sont l'étonnante rengaine catchy Stella ou l'exquis gospel-gaze désuet No Chicago. Nulle sinistrose à l'horizon : ballades (Just West of Nicollet), ritournelles (A Doctor in the House), berceuses (la merveilleuse Afterburner), l'ensemble s'avère d'une bonhommie tout à fait rassérénante – moins pince-sans-rire qu'à son habitude, Kurt Wagner entremêle dans ses textes observations du quotidien, fragments poétiques et méditations mélancoliques. Adieu hasardeuses expérimentations électroniques ou chansons en pilotage automatique : avec l'épuré mais néanmoins chatoyant Punching The Clown, Lambchop signe rien de moins qu'un de ses meilleurs albums. Frissons garantis.

Punching the Clown de Lambchop

site internet: : Merge, City Slang

The Durutti Column

Alix de Stermaria — 2026-09-02T18:11:09Z

Certains artistes – David Bowie, Agnes Obel, Thom Yorke – sont si magnétiques qu'ils pourraient chanter l'annuaire. Ils s'en privent rarement : on les écoutera néanmoins avec attention. Il en va de même pour le jeu de guitare, reconnaissable entre mille, de Vini Reilly. Impressionniste, pointilliste, expressionniste, cubiste, abstrait, le Mancunien tisse de ses doigts virtuoses des paysages éthérés tout autant que vibrants, entremêlant hooks faussement imprécis, arpèges délayés et motifs répétitifs. Autodidacte, il convoque sans prétention à son chevet tranquille – en un hétéroclite compendium harmonique – Claude Debussy, Paco de Lucía, John McLaughlin et Bert Jansch. Pas pour rien que John Frusciante le considère comme le meilleur guitariste du monde. Sous l'alias The Durutti Column, il est en 1978 la première signature du bordélique label Factory Records et poursuivra une carrière discrète, marquée par des problèmes de santé et une pause que l'on croyait définitive, son dernier album remontant à ce Short Stories for Pauline publié en 2012 et constitué de chansons enregistrées trente ans plus tôt. Sauf que Vini n'a pas perdu la main. En témoigne un intemporel Renascent, qui avec une grâce certaine égrène les pièces musicales contemplatives, infusées d'ambient, de sonorités électroniques et de rythmiques plus enlevées, qui verront – malheur – The Durutti Column lorgner vers le trip-hop (le peu convaincant Liars) ou le spoken-word (Scammer) : à croire que l'épure – y compris les (rares) espagnolades et les digressions jazzy (Your Shadow at Morning) – lui sied mieux, même si le cérémonial et très cinématographique For Friends Everywhere, orné de cordes et de trompettes un peu cheap, fait le job. Un album inégal, donc, qui tutoie les sommets quand il invite la chanteuse Caoilfhionn Rose, sur un Agonistes évoquant Dead Can Dance ou sur la ballade éthérée Sargasso Sea, portée par un piano et une basse linéaire. Quelques courts instrumentaux, tels que Echoes in the Memory et Vapour in a Matchbox, aèrent l'ensemble, mettant en relief le sublime Time Present and Time Past, construit sur des couches d'arpèges et des tintinnabulations lysergiques – beauté à l'état pur. Fort de ce précieux Renascent, en dépit d'expérimentations synthétiques flottantes et d'esquisses parfois convenues, Vini Reilly – respectueux de son propre héritage artistique – nous offre, en cette époque cacophonique, rien de moins qu'une parenthèse en suspension. Salutaire.

Renascent de The Durutti Column

site internet: : London Records