À découvrir absolument

Yôkaï

gdo — 2026-10-28T16:58:24Z

Il faudrait inventer un cinéma pour les disques de Yôkaï, des films dont on ne connaîtrait ni le scénario ni le dénouement, mais dont la bande originale suffirait à faire naître des images. Humboldt s'ouvre comme un thriller, avec cette rythmique tapie derrière le décor, pendant que les instruments, eux, se permettent des déambulations fantasques en pleine lumière. On pense à un générique oublié, à une série dont on aurait raté tous les épisodes, à des personnages qui traversent la nuit sans jamais nous expliquer ce qu'ils cherchent. Depuis leur album éponyme de 2019, les Bruxellois ont conservé ce goût du déséquilibre, cette façon de nous balader sans nous donner de fil à tirer. Mais quelque chose s'est resserré : le mouvement est plus direct, les morceaux semblent avancer avec une détermination qui rend leurs détours encore plus réjouissants.

Dans ce cinéma imaginaire, Iguazu serait la bande originale d'un revival d'Amicalement vôtre égaré dans les clubs de jazz souterrains de New York, tandis que Lalo glisserait une perle jazzy dans une sauce dub dont on reprendrait volontiers une deuxième assiette. Fortunino déroule sa petite virgule presque surannée, immédiatement addictive, avant que Fortunino II ne reprenne le motif pour l'emmener vers des territoires plus contemporains et mystérieux. Rien n'est jamais tout à fait là où on l'attend. Avec Dewey, Yôkaï semble ouvrir plusieurs manuels à la fois, en arracher quelques pages et en tirer une leçon de transgression. La musique n'a pas besoin de choisir son camp : elle préfère circuler, emprunter, détourner, jusqu'à faire du groove une matière mouvante plutôt qu'un simple moyen de nous faire taper du pied.

Reste alors à laisser les images se fabriquer toutes seules. Dans Frederico, une rue noyée de brume, un homme de dos, la cigarette allumée, l'imperméable impeccablement taillé, Alain Delon pourrait surgir au détour d'un plan, quelque part dans un polar des années 70. Waakataar aurait les honneurs d'une série policière de science-fiction, tandis que Mocassins, jazzy et sexy, referme le film avec une élégance nonchalante. Le titre de l'album renvoie pourtant à un glacier vénézuélien menacé de disparition, rappel discret de la fragilité d'un monde en transformation. Mais Yôkaï n'en fait pas un discours, il préfère nous laisser dériver dans ses paysages sonores, entre tension, répétition et échappées inattendues. En 2019, j'écrivais combien j'aimais être secoué, décontenancé, avant de retrouver le contact rassurant du sol. Avec Humboldt, le sol est toujours là, mais il semble avoir légèrement bougé pendant qu'on avait le dos tourné. Et c'est précisément pour cela qu'on y revient.

Humboldt de YOKAI

site internet: : Autoproduction

Omertà

Alix de Stermaria — 2026-10-28T16:58:00Z

Certains d'entre vous le savent, le spoken word n'a jamais été ma tasse de thé – instrumentaux paresseux, textes qui se regardent dans un miroir, voix blanche faussement alarmée par la souffrance du monde (ou de son propre nombril) : on fait rapidement le tour de la formule. Ainsi, avec cet Âmes Bleues publié par le collectif lyonnais Omertà, formé en 2014 à l'initiative de Florence Giroud, je m'attendais à souffrir. Sauf que non, pour la simple et bonne raison que la plasticienne a réuni autour d'elle des musiciens aguerris, issus de formations telles que Tanz Mein Herz, Balladur, Société Étrange et Plein Soleil : tout en subtilité, de guitares réverbérées en arpèges entremêlés, d'une brume à l'autre, parfois cisaillée de piano, d'harmonica, de métallophone, de patientes percussions, ils offrent aux textes de Florence un écrin absolument charnel – tout bruisse, vibre, palpite. L'on pense à Vini Reilly (l'introductif Intermède et ses claviers planants), mais également – dans cette façon délicate de théâtraliser les arrangements sur Change et sur le vibrant L'Étendue Du Lieu – à Ryūichi Sakamoto ou Peter Gabriel. Hypnotique, vaporeux, souvent apaisant et porté par une production soignée, le lettré Âmes Bleues se distingue par un mood post-punk bienvenu, à l'image de la guitare arpégée de Bleuité ou de la ritournelle Paranéa (chouettes lignes de basse croisées), qui permet de maintenir une tension minimale, à même de soutenir l'interprétation – parlée, scandée, chantée – de Florence, indubitablement magnétique. Pas étonnant pour quelqu'un qui en 2017 énonçait que « Le seul crime est d'être superficiel, tout ce qui est compris est bien ». Quatre ans après Collection Particulière, Omertà confirme son statut d'incontournable de l'underground lyonnais. Plus organique et habité que jamais, le collectif transforme l'essai et livre, avec ce très attendu troisième album, un disque d'une grande justesse.

Âmes Bleues de Omertà

site internet: : Standard in-Fi, Carton Records, Zamzamrec

King Tuff

Santiago — 2026-10-27T16:33:10Z

Je sais pas vraiment à quoi ça tient mais j'ai jamais compris la hype autour de Ty Segall et ses potes. Même quand ils ont eu le bon goût de se rendre compte que le garage était rafraîchissant à court terme et une impasse* de songwriting à long terme (et qu'ils ont commencé à y ajouter un peu de grunge, de power pop ou de glam), j'ai trouvé ça sympa mais je suis resté à quai. Je ne m'attarde pas plus longtemps sur mon indifférence. J'ai clairement pas écouté assez de trucs de tout ce beau monde, et si je suis honnête avec moi-même, mon ignorance le dispute sans doute à la snobinarderie indie la plus crasse.

Mais, dans le lot, il y en a un qui m'a toujours tapé dans l'oreille. C'est Kyle Thomas et son projet solo King Tuff.** Qu'est-ce qu'il a de plus que les autres ? Peut-être le fait de pas être un garageux pur jus et d'avoir commencé en faisant du freak/psyché/folk au sein de Feathers (galaxie Devandra Banhart) ? Peut-être le fait de traîner avec J Mascis*** dans le groupe de stoner Witch ? (galaxie Dino Jr) Peut-être que tout connement il a des hooks mélodiques que les autres ont pas l'air de savoir faire. Si vous doutez, écoutez "Wild Desire", son single de 2012, il est scandaleusement tubesque****.

Bon, les présentations sont faites, les biais assumés en toute transparence, on va pouvoir passer à MOO, son dernier album. On peut probablement commencer par une ou deux trivia que j'ai vues passer un peu partout donc j'en déduis qu'elles doivent être en bonne position dans le communiqué de presse : KT est retourné dans son Vermont natal et a enregistré l'album sur le Tascam 388 qui lui avait servi à enregistrer "Was Dead", son culte et discret premier album sous le nom de King Tuff.

Allez. Admettons que ça ait un intérêt. Pour ce qui est de la distance couverte par ses chansons, fermez les yeux et imaginez une ligne qui relierait Marc Bolan à Jeff Tweedy. Et ben voilà. Sur cet album, l'ami Thomas est quelque part entre les deux. Dans le grain de voix, dans le phrasé, dans l'évidence mélodique. Ya même un morceau où les syllables de la ligne de chant du couplet s'égrènent comme si on était chez Big Thief. De manière générale, aucun des morceaux ne ressemble à l'autre, le KT est richment doté en bonnes idées, il a pas besoin de se répéter.

Je vous ferai pas l'injure de vous donner les titres de chansons et les patelins mélodiques traversés qui vont avec. C'est un voyage personnel que vous devrez faire dans votre coin. Je veux pas vous embarquer dans le train. Je suis juste là pour vous dire qu'il y a des rails et qu'ils mènent au pays des chansons bien foutues.

Le comble dans toute cette histoire ferroviaire, c'est qu'il arrive tout du long à garder une vibe rock'n'roll sans que ça sonne comme du réchauffé de vieux routier des pentatoniques. Cette classe qui part au loin, cette superbe à plusieurs visages et plusieurs noms, ça s'appelle la leçon. Ca s'appelle un album qui vous transporte. Ca s'appelle un album qui ne vieillira pas. Ca s'appelle reviens.

* Je viens donc de renoncer à un jeu de mot éculé avec "voie" et "garage". Après toutes ces décennies de calembours foireux, il y a peut-être un salut au bout du chemin

** Peut-être même deux si on compte Emmet Kelly que j'ai découvert au sein de The Hard Quartet avec Matt Sweeney et Stephen Malkmus mais là aussi, force est de reconnaître que je connais peu mais mal

*** J. n'y fait pas de guitare, il fait de la batterie. Oui, comme au tout début de Dinosaur. Et il a de beaux restes le cochon

MOO de King Tuff

site internet: : MUP

Leenalchi

gdo — 2026-10-27T16:33:08Z

Chroniquer un disque coréen me semblait aussi invraisemblable que de manger un repas marcaire avec des baguettes. Rien de raciste là-dedans, juste les séquelles d'une funeste soirée de juillet au Stade de France où, en père modèle, j'accompagnais ma fille à un concert de Stray Kids. Le mot concert est peut-être un peu généreux pour ce déferlement de pop industrielle, de chorégraphies millimétrées et de sollicitations commerciales qui m'avait laissé aussi enthousiaste qu'un lendemain de fête. Depuis, entre les séries Netflix et cette expérience, j'avais fini par regarder d'un œil particulièrement méfiant tout ce qui venait de Corée. Une généralisation aussi injuste que confortable, jusqu'à ce que Sugungga atterrisse entre mes oreilles. Le disque est publié par Luaka Bop, le label de David Byrne, et Brian Eno figure parmi les admirateurs de la bande. De quoi éveiller la curiosité, même chez les plus réfractaires.

Leenalchi est un groupe de sept musiciens qui a décidé de faire revivre le pansori, cette forme ancienne de récit chanté coréen, en la propulsant dans un univers qui doit autant au funk psychédélique qu'à une improbable cérémonie théâtrale. Deux basses, une batterie, des claviers et quatre chanteurs, pas de guitare, pas de démonstration inutile, mais une classe folle et un groove qui vous attrape sans demander votre avis. Ce qui frappe d'abord, c'est cette langue dont on ne comprend pas un traître mot, et qui échappe aux formats mondialisés auxquels le soft power nous a habitués. Les voix se répondent, se cabrent, roulent et s'envolent, avec une puissance qui tient autant de l'incantation que de la comédie. Sur Ddiddiroo Diroo Diroo, on imagine une version débridée et exotique de Shaft, quelque part entre la bande-son d'un polar seventies et un théâtre dont les acteurs auraient décidé de faire sauter les murs. On ne sait pas exactement ce qui se joue, mais on a très envie de rester dans la salle.

Car Sugungga est une bombe, et pas seulement parce que les deux basses semblent avoir été branchées directement sur le système nerveux. Il y a dans ces morceaux une manière de faire cohabiter le dansant et le planant, la précision rythmique et le délire, sans que jamais l'un ne vienne étouffer l'autre. Mao Mao Mao possède l'évidence d'un tube qui aurait échappé à toutes les radios, tandis que Please Don't Go fait monter la température avec une désinvolture confondante. Mais c'est Tiger Is Coming qui emporte tout sur son passage, une déflagration addictive, une drôle de parade où les voix semblent annoncer l'arrivée d'une créature mythologique pendant que les basses préparent le terrain pour une fête dont personne ne connaît les règles. Le plus étonnant, c'est que cette musique, pourtant enracinée dans une tradition ancienne, ne donne jamais l'impression de regarder dans le rétroviseur. Elle ne cherche pas à singer les modèles occidentaux ni à rendre son héritage plus digeste, elle le triture, le fait groover et l'emmène ailleurs. Libre, bizarre, physique, elle est surtout terriblement vivante.

L'histoire racontée sur le disque est pourtant celle d'une tortue envoyée chercher un lapin pour sauver un roi dragon, dont le foie serait le remède miracle. On a connu des scénarios plus simples, mais rarement des histoires aussi absurdes capables de produire une musique aussi irrésistible. Même les auditeurs coréens peuvent avoir du mal à saisir les paroles, interprétées dans une forme archaïque de leur langue : autant dire que je ne suis pas près de pouvoir chanter les refrains sous la douche. Ce détail n'a finalement aucune importance. Leenalchi rappelle qu'une chanson peut vous atteindre avant même que vous ayez compris ce qu'elle raconte, et que la musique n'a pas besoin de sous-titres pour vous faire danser comme un idiot dans votre salon.

Je ne sais pas si cette rencontre fera de moi un inconditionnel de la musique coréenne, et je me garderai bien de promettre que la prochaine soirée au Stade de France suffira à me réconcilier avec Stray Kids. Mais Sugungga vient de faire voler en éclats quelques certitudes, et c'est déjà beaucoup. Il y a quelque chose de réjouissant à découvrir, au détour d'un disque qu'on n'aurait probablement jamais écouté sans David Byrne, une musique qui semble venir d'un autre monde et qui finit par vous paraître étrangement familière. Le repas marcaire aux baguettes attendra. Pour l'instant, je remets Tiger Is Coming et je laisse le tigre faire le ménage.

SUGUNGGA de LEENALCHI

site internet: : Luaka Bop

Mathieu Lippé

Alix de Stermaria — 2026-10-27T16:33:02Z

Quelqu'un, quelque part, vous adresse un disque. Peu importe le registre, peu importe la qualité, ne serait-ce que pour récompenser l'effort, rembourser l'enveloppe et le timbre, par empathie envers les artistes méconnus, les labels en déshérence, les attachés de presse au quasi-chômage, je m'étais promis de TOUJOURS écrire avec bienveillance sur les disques qui atterrissaient dans ma boîte aux lettres. Il m'a fallu trois morceaux du nouvel opus de Mathieu Lippé pour rompre mon serment. L'enchaînement Entre nos mains, Je reviens dans ma force et C'est toi la source m'a littéralement brûlé les oreilles – on est sur du hip-hop hyper cheap avec refrains pop chantés, bâti à partir de gimmicks dance et de sonorités MIDI à bout de souffle. Pourtant, j'avais envie de l'aimer, cet album : vite regardée, la pochette est distinguée, et l'intitulé plutôt joli – La magnificence des choses qui renaissent, ça poétise, non ? Mon instinct m'avait néanmoins alerté : le disque était annoncé sur les traditionnels sites bidon qui se contentent de relayer les feuilles de presse, genre Paris Move. Je peux vous en citer une bonne dizaine, de faux webzines qui – sous couvert de chronique culturelle – donnent dans le publi-communiqué. Mais tel n'est point ici l'essentiel. Parce que si l'on s'attarde sur Mathieu Lippé, lauréat du prix Lynda Lemay en 2014, il apparaît que la musique n'est qu'une des nombreuses facettes du Québécois, qui se présente à nous comme un artiste-entrepreneur-formateur : à ce sujet, son site est éloquent – Mathieu vend des formations, anime des ateliers et propose du coaching créatif dans le domaine de la musique, donc pourquoi pas, mais le contenu de ses conférences intrigue. Nous voilà plutôt sur le terrain glissant de la vie de l'esprit, et alors les textes des morceaux que j'ai écoutés me reviennent en tête. C'est vrai qu'on y décèle une sorte de positivisme forcé un peu fatiguant, en mode « allez les gars, on rentre sur le terrain et on défonce tout ». J'exagère, mais j'ai la désagréable sensation que La magnificence des choses qui renaissent n'est plus ou moins que la carte de visite tendue par un VRP soucieux de faire fructifier son activité. Ma petite entreprise ne connaît pas la crise. Je sais bien qu'en France persiste l'image romantique, fausse et stupide de l'artiste déconnecté des contraintes matérielles. Cheveux au vent, main sur le front, l'estomac qui gargouille, c'est dans la fièvre qu'il accouche, tremblant, de chefs d'œuvres intemporels : pour mieux vous imprégner de cette scène épique, je vous conseille de visualiser Julien Doré. N'empêche, le pragmatisme anglo-saxon manque sacrément de charme. En ce sens, dans un monde où même Julian Casablancas fait payer les selfies avec ses fans, La magnificence des choses qui renaissent illustre une différence culturelle qui mériterait une réflexion plus poussée. En fin de compte, ce disque ne s'écoute pas, il se pitche. Reste à savoir si le public hexagonal est prêt à troquer sa vision fanée de l'artiste torturé contre un plan de développement personnel sur fond de boîte à rythmes fatiguée.

site internet: : InTempo Musique

Sigh

Alix de Stermaria — 2026-10-26T17:20:28Z

Quatorzième album pour les Tokyoïtes de Sigh, pionniers du black metal japonais. Un black metal assaisonné de doom, de prog, d'arrangements symphoniques et de sonorités folkloriques, faisant du foisonnant Goh-Ka une sorte d'hallucination auditive particulièrement troublante. Et puis, quel superbe – funèbre et néanmoins délicat – visuel, évoquant le Kuso-zu, une pratique bouddhiste visant à surmonter les désirs charnels, l'attachement physique et la peur de la mort. Multi-instrumentistes chevronnés, Mirai Kawashima et ses acolytes, rejoints sur Unputenpu par Mikael Åkerfeldt (Opeth), parsèment leurs compositions alambiquées de drone (l'oppressant Kuso-shi 7), de chants traditionnels (le grimaçant Kuso-shi 1, 2 and 3) et de dub (l'étonnante litanie Kuso-shi 4, 5, and 6). Si le corps du disque est metal – gros riffs de guitare, solos hard FM, vocalises gutturales –, l'intérêt du copieux Goh-Ka réside dans sa capacité à nous emporter. Où ? Loin. Arrangements orientalisants ou klezmer, saxophone y compris (Jinmenjushin), western flûté (Kushukankyo), synth-folk planant (Anzenshokon), chaque mesure réserve son lot de surprises. Sans compter la pièce maîtresse Kuso-shi 8 and 9 / Mettaijakujo, lancinant boléro orné de flûtes, de cordes, de cuivres et de chants d'oiseaux – effet ouahou garanti. Audacieux, profond, consistant, le nouvel opus de Sigh – murmure tout autant qu'ouragan – est un sommet du genre.

Goh-Ka de Sigh

site internet: : Peaceville

Mt. Kili

gdo — 2026-10-26T17:08:03Z

Il arrive que les disques vous tombent dessus sans que vous ayez rien demandé. Un mail, une livraison de plus, et parfois même pas dans la bonne boîte. Celui de Mt. Kili avait échoué dans mes indésirables, que je purge avec une régularité toute relative. D'ordinaire, je ne m'attarde pas, mais ce jour-là, je l'ai fait passer dans la boîte des choses à écouter. Le dossier téléchargé, il a attendu son tour, comme tant d'autres, jusqu'à ce matin où, après quelques podcasts déjà oubliés, j'ai décidé de faire le tour des livraisons de la veille. Une première écoute rapide, histoire de savoir si l'on ira plus loin, puis cette drôle de sensation qui ne se produit que trois fois l'an, le disque se déroule, je ne fais rien pour l'interrompre et, lorsqu'il s'achève, je me retrouve fort dépourvu. Alors je le remets.

Il y a quelque chose du Palace de Will Oldham dans ces chansons de Rick Sichta, alias Mt. Kili, originaire d'Asheville, en Caroline du Nord. Une manière de ne pas hausser la voix tout en vous nouant la gorge, de laisser les mots avancer avec une fragilité telle qu'on finit par les recevoir en plein cœur. La musique semble avoir signé un pacte avec une mélancolie diabolique. Elle n'a pas besoin d'en faire des tonnes, ni de forcer le trait, pour nous entraîner vers des territoires où la lumière se fait rare. Tout repose sur cette économie de moyens, sur les silences, les respirations, les quelques notes qui restent suspendues et donnent aux chansons une profondeur qu'elles ne cherchent jamais à revendiquer.

The Rain Song en est peut-être la plus belle illustration. On imagine le ciel qui se couvre lentement, les nuages qui s'amassent, puis la pluie qui tombe enfin. Une pluie triste, bien sûr, mais aussi nécessaire, presque vivifiante, comme si le chagrin avait parfois besoin de trouver une forme pour nous permettre de continuer. Et puis il y a Strawberry Fields, qui parvient à rendre un champ de fraises aussi bouleversant qu'un paysage dont on aurait oublié la beauté. Chez Mt. Kili, la douceur n'est jamais tout à fait rassurante, et la mélancolie ne se complaît pas dans sa propre noirceur. Elle nous rappelle plutôt ce que nous avons laissé filer, ce que nous n'avons pas su voir, ces petites choses auxquelles on ne prête plus attention jusqu'au jour où une chanson vient nous les remettre sous les yeux.

Je ne sais pas grand-chose de Rick Sichta, et je n'ai pas vraiment envie d'en savoir davantage pour l'instant. Il y a des disques qui réclament des explications, d'autres qui se contentent de trouver leur chemin jusqu'à nous. Celui-ci était arrivé dans mes indésirables. Il est désormais ailleurs, dans cette petite réserve de disques que l'on garde à portée de main, ceux que l'on remet parce qu'ils nous ont surpris, et dont on espère secrètement qu'ils sauront encore nous serrer le cœur à la prochaine écoute.

The Noticer de Mt. Kili

site internet: : Autoproduction

Le Flegmatic

Witold Bolik — 2026-10-26T16:59:37Z

"Le monde rationnel m'a ouvert les bras/mais le monde rationnel n'existe pas". Tractacus logico-flegmaticus : clair, net, pur, impeccable.

Dès les premières notes de contrebasse je pense au Gainsbourg de Confidentiel, resserrement en trio, en acoustique, en minimal, désir de simplicité et d'intimisme, vieilles vacheries misogynes en moins (quoique, Buffle du marais... bon là c'est plus l'auto-dépréciation à la Elliott Smith, ça compte pas), autre chose en plus. Autre chose, mais quoi ? selon les chansons ce sera plutôt entre la paranoïa ordinaire ("il y a des forces qui cherchent à me nuire", "ces trous du cul qui me prennent le chou", "tes copains se foutent de toi") et une spiritualité lettrée et désespérée qui n'est pas sans m'évoquer un Beckett - d'ailleurs, depuis toujours Le Flegmatic parvient à faire coexister rage mesquine auto-consciente et envolées métaphysiques incongrues ; punchlines quasi-boobiennes et désir de prendre de la hauteur à un point cosmique. À un point comique aussi, un comique de décalage, de disproportion, comme quand on "atteignait des niveaux de conscience merveilleux", parce que "c'est ce que tu m'as demandé" (ça c'était dans Bouleversement Majeur, la chanson s'appelait Grand Barrage, ça causait déjà de barrages, tiens...). En parlant de Gainsbourg, ça fume aussi beaucoup dans ce disque, ça s'autodétruit parfois "si je me voyais faire, je me jetterais des pierres", hé, vas-y mollo gars !)

Comme le monde rationnel, on ouvre autant qu'on ferme dans cet album, on numérote ses abattis, on se promène sur le fil tendu d'une contrebasse un peu sourde, en écoutant Barragiste ça ouvre des perspectives de rêveries infinies, l'angle choisi sera décidément celui du paradoxe ouvert/fermé, l'espace d'un "necessito" m'apparaît un Manu Chao statique, un du voyage intérieur (moins cher, assurément), sur Cambio.

L'écriture et la voix hésitent parfois, le ton même (entre Autoportrait ma non troppo et De pierre et de buis, deux bons mondes bien tassés) et c'est peut-être cela, le changement de perspective, pas seulement l'acceptation, mais la recherche de sa propre fragilité, du truc magique qui peut naître quand quelque chose foire, quand les barrages, barrières, et autres murs du jardin se fissurent. Robert Wyatt avait fait un joli EP qui s'appelait A short break, entre deux labels, entre deux positions, dans une de ces périodes de transition personnelle et/ou collective inspirantes autant que fragilisantes : ce short break (30 minutes environ) à lui me l'évoque un peu, en partant dans tous les sens, dans le bon sens du terme. Alors j'avoue je ne comprends pas toujours tout de ce que fait mon ami Thomas le Flegmatic, je retrouve souvent les mêmes trois accords, voire le même accord, d'une chanson à l'autre, (mais quand il change, ça fait ouaouh, c'est tout le principe), je ne sais pas toujours où il va, mais j'aime beaucoup sa façon d'essayer, elle touche juste souvent, et il n'y a personne pour le faire comme lui. On t'aime, Le Flegmatic, et si on te voyait faire, nous, on te jetterait des bisous !

site internet: : We are Unique records

Flora Hibberd

gdo — 2026-10-20T15:53:31Z

Comment ne pas penser à Aldous Harding dès les premières notes de Mammoth ? Il y a cette façon de laisser les chansons avancer de biais, de brouiller les contours sans jamais perdre le fil, de faire naître une mélancolie lumineuse au milieu de paysages dont on ne sait plus très bien s'ils appartiennent au rêve ou au réel. Chez Flora Hibberd, tout semble d'une précision remarquable, mais sans jamais donner l'impression d'avoir été minutieusement calculé. Les guitares, les synthétiseurs, les cuivres et les rythmiques s'entrelacent avec une souplesse presque insolente, comme si l'architecture du disque s'était construite toute seule. Produit par Ben Lanz, Mammoth élargit les horizons de Swirl, son premier album, et électrifie sa chaleur folk sans en sacrifier la délicatesse. L'ensemble possède une ampleur qui ne cherche jamais à se dépasser, Flora Hibberd s'y lovant avec une maîtrise qui ne se donne pas en spectacle.

Perfect Ripple est une chanson somme, une aventure musicale dont les dérapages contrôlés tiennent autant de la grâce que de l'audace. Les voix s'y confondent, les repères se dérobent, et l'on finit par ne plus savoir où se trouvent le haut et le bas. Cette sensation de perdre pied se prolonge dans Deltaplane, chanson à l'éther addictive, plongée dans quelque chose d'aspirant, comme si l'on se laissait entraîner vers une profondeur dont on ne chercherait pas vraiment à remonter. Les chansons semblent parfois habitées par des fantômes, ceux du passé comme ceux d'un avenir encore incertain. Le monde vacille en arrière-plan, mais Flora Hibberd ne force jamais le trait, même lorsque l'horizon s'assombrit, la musique conserve une étrange douceur, une manière de ne pas céder à la panique. Il suffit de retrouver les racines folk de Hares On The Mountain, reprise qui semble venir d'un temps plus ancien, pour comprendre que cette musique sait aussi se délester de ses artifices et laisser passer quelque chose de presque intemporel.

C'est peut-être là que Mammoth trouve sa place singulière. On pourrait lui reprocher une certaine douceur de surface, une élégance qui ne cherche pas systématiquement le dérangement, quand tant de disques semblent aujourd'hui devoir prouver leur importance à coups de ruptures et de secousses. Mais faut-il toujours préférer la dissonance à la bienveillance, comme si la musique devait nécessairement nous bousculer pour nous atteindre ? Flora Hibberd préfère les déplacements subtils, les chansons qui s'installent sans bruit et finissent par occuper tout l'espace. Mammoth porte bien son nom, quelque chose d'immense et de perdu, une présence dont on ne mesure pas immédiatement les contours. Le disque pourrait ainsi se glisser, sans y toucher, dans cette catégorie rare des albums qui finissent par devenir des standards personnels. Non parce qu'ils cherchent à marquer leur époque à tout prix, mais parce qu'ils savent en recueillir les tensions sans renoncer à la lumière. Et si la vraie audace consistait, finalement, à préférer la nuance au fracas ?

Mammoth de Flora Hibberd

site internet: : 22Twenty / Redeye

Ha the Unclear

gdo — 2026-10-20T15:41:16Z

Il y a chez Ha the Unclear un côté Supergrass qui ne se dément pas, cette façon de faire pétiller la pop sans lui retirer ses aspérités, de préférer l'espièglerie aux mines sérieuses. Sur Astigmatic, les Néo-Zélandais cultivent ce goût des chansons qui semblent prendre des chemins de traverse tout en sachant parfaitement où elles vont. Mountains We've Made joue la carte du collectif, quand The Cold débarque comme une cavalerie lancée au grand galop. Mais c'est avec Cumberland Street (Astigmatic) que le groupe retrouve tout ce qui nous le rend si attachant avec un sens du théâtral jamais grandiloquent, une espièglerie qui ne se prend pas pour de l'excentricité et des mélodies qui savent rester au service de la chanson. Michael Cathro y évoque ces moments où l'on regarde si loin qu'on finit par ne plus voir ce qui se trouve devant soi. Une histoire de regard, finalement, qui sied bien à cette pop capable de brouiller les pistes sans perdre le nord. Jusqu'à The Good Times Always End In Tears, dont la rythmique se transforme en petit parc d'attractions, avec ses virages et ses accélérations. Cathro dégage une mélancolie joviale et s'affirme comme l'aimant d'un groupe qui refuse de se débarrasser d'une conviction essentielle : le bonheur n'est pas une faute de goût, et il n'y a aucune raison de le fuir sous prétexte qu'il pourrait finir par se sauver. Astigmatic est un EP attachant, un attrape-cœur qui ne demande qu'à prolonger ses effets.

Astigmatic ! de Ha the Unclear

site internet: : Autoproduction