À découvrir absolument

Bandeliers

Alix de Stermaria — 2025-03-28T15:57:17Z

Ce soir, dans le petit club de la rue Oberkampf, se déroule la release party de Blind Pilots On A Neverending Race, le nouvel album des Spreaders, from Tréguennec, Finistère sud. Pas écouté le disque : rien sur Bandcamp, flemme de me taper des publicités intempestives (Deezer et autres Spotify), je passe mon tour. Le Nouveau Casino, ça fait tellement longtemps que je n'y avais pas mis les pieds que je pensais que c'était fermé, mais non, il paraît que c'est un haut lieu des soirées techno parisiennes (ce que j'ai du mal à croire en observant la programmation, mais peut-être suis-je trop vieux, ou trop out). La salle se remplit tranquillement, je sirote de la bière coupée à la flotte, le service au bar est d'une mollesse qui serait amusante si les boissons étaient gratuites, une queue interminable se forme devant les WC (deux toilettes pour une jauge de 380 personnes, well done), partout où je me pose je gêne quelqu'un (où que l'on soit, on est dans le passage, toujours entre deux quelque part), le fumoir est trop petit pour que je prenne le risque de m'y rendre, la musique de fond est archi-pourrave, soupirs, je me souviens désormais pourquoi j'avais cessé de fréquenter le Nouveau Casino : c'est nul.

Et donc, question pertinente du lecteur de Crépy-en-Valois : pourquoi me rendre à la release party d'un groupe que je ne connais pas, qui plus est dans une salle que je déteste ?

Flashback. Septembre 2024, les Bandeliers publient leur second EP, au titre involontairement prémonitoire (Misunderstandings). En cinq compositions ambitieuses et bien troussées, Declan et ses comparses – Jeffrey (batterie), Malcolm (guitare), Fanny (basse) – ravivaient tout un pan du rock britannique, eighties et britpop : les Smiths (Maya, jangly pop vs post-punk), Ian McCulloch période Electrafixion (Pole Position, saupoudrée de shoegaze et de glam à la Suede), Kula Shaker (Open Book, tirant vers James) et même U2, sur la convaincante ballade In Slow Motion, que ne renieraient pas non plus les Editors. Tirant son nom d'un parc américain, situé au Nouveau-Mexique et consacré à la préservation de vestiges archéologiques anasazis, le groupe dégageait une certaine assurance, que l'on percevait notamment dans la morgue tout à fait british (charmante / agaçante) du chanteur. Nous étions passés à côté, normal, on ne peut pas tout chroniquer.

Quelques jours avant le concert, au détour d'un échange informel via un fameux réseau social, Léa Lotz, plus connue en ces pages sous l'alias Bleu Reine, dont nous suivons avec une grande attention les pérégrinations musicales, me propose d'assister à son premier concert au sein d'une formation qu'elle vient d'intégrer, et comme c'est à douze minutes à pied de chez moi et que pour une fois j'ai du temps libre, je dis BANCO. Ayant cru comprendre qu'elle n'en était que la nouvelle guitariste, j'ai été très étonné, une fois les lumières éteintes, de la voir prendre position au milieu de la scène, devant elle un microphone, un petit clavier, sa six-cordes en bandoulière, le groupe se lance dans un morceau de pop très catchy, où les chants de Malcolm et de Léa se mêlent et se répondent – mélodie simple, évidente, je pense aux Catchers, j'ai le sourire (« Sacrée Léa », je me dis), je me demande bien où tout ce petit monde va nous entraîner.

Vous l'aurez compris, il s'agit des Bandeliers, au sein desquels Léa remplace Declan, apportant souplesse et fluidité à des compositions teintées de psychédélisme, qui évoquent pêle-mêle Stereolab et les High Llamas. Devant un public très réceptif et entrecoupant son set d'interventions légères, le quatuor fait preuve d'une belle présence – j'essaie de prendre quelques photographies, mais elles sont pourries, alors je glisse ici celles de Léa Jacta Est (dont le premier album, paru l'année dernière, mérite toute votre attention), merci à elle.

Ensuite, tandis que j'hésite (Spreaders or not ?), ma vie défile devant moi : [(15 minutes d'attente pour me faire servir de la bière vomitive à 7 euros + 20 minutes d'attente pour aller aux toilettes) x 6 ] + (m'intoxiquer dans un minuscule fumoir rempli de hippies x 8) / me faire marcher sur les pieds toutes les deux minutes = plutôt mourir. Alors, je décide de ne pas disperser les bonnes ondes véhiculées par Bandeliers et remonte chez moi, en fendant l'air glacé, me demandant comment j'allais pouvoir raconter tout ça.

Murat dans l'au-delà

Jean Thooris — 2023-05-25T18:36:11Z

Il y a des nouvelles si déprimantes que l'on peine à croire en leur véracité. Et pourtant : quelques heures après Tina Turner et Kenneth Anger, et quelques jours après Andy Rourke, Jean-Louis Murat est mort. Stupeur. La tristesse dans laquelle plonge l'information empêcherait même d'établir des correspondances improbables entre Murat et ses trois compagnons de décès : la soul et le funk (Tina Turner) que Jean-Louis Bergheaud vénérait ; le choix réfléchi d'emprunter les chemins de traverse, comme Anger, méfiant envers le business du spectacle ; un retour constant à la pop, au grand public, qu'effectuait l'auteur du Lien défait au gré de ses envies…

Il serait présomptueux de vouloir résumer un parcours aussi casse-cou, aussi aventureux – d'autant plus que chacun détient son propre Murat. Disons simplement qu'en trois décennies et une bonne trentaine d'albums (studio, live, en image, on a cessé de compter), il n'y eut presque rien à jeter du parcours. Non pas que Murat cherchait à brouiller son ou ses identités, au contraire labourait-il un terroir unique (le sien : fertile, boueux, animal, sexuel), mais l'inspiration, sa muse poétique, jamais ne l'abandonna. Ce qui explique pourquoi, depuis 1989 et l'album Cheyenne Autumn, nous restâmes fidèles à Murat, achetant toute (j'ai bien dit toute !) son œuvre. Il semblait même acquis que nous allions vieillir et mourir en compagnie du « Murat annuel » – comme John Peel ne pouvait concevoir une année sans un album de The Fall. Mais non, donc.

A titre personnel, j'eus la possibilité d'interviewer Murat, en 2020, pour la sortie de Baby Love, une semaine avant le premier confinement. Aucune surprise à l'arrivée. Durant les promos télé et face à des présentateurs trop heureux de lui soutirer quelques vacheries sur la chanson française, Murat jouait volontairement le rôle du provocateur bougon. Mais il suffisait de lui parler musique, du rapport à l'autre, de paternité, pour que l'artiste se laisse aller aux confidences, rallongeant l'interview d'une bonne trentaine de minutes afin de nous raconter diverses anecdotes personnelles sur le producteur Julian Mendelsohn et les Pet Shop Boys. Un môme éternel.

Murat et ses vertus d'Arlequin viennent ainsi de rejoindre l'au-delà. Fermeture pour deuil.

L'Église de la Petite Folie

gdo — 2022-11-05T11:24:13Z

L'Église de la Petite Folie fête ses 20 années d'un activisme forcené. Depuis une grosse dizaine d'années, le label est un des pourvoyeurs principaux de nos compilations ADA.

Voici l'ensemble des participations de la galaxie de Église de la Petite Folie et de son pape, Arnaud Le Gouëfflec.

A DECOUVRIR ABSOLUMENT HORS SERIE #3 TRIBUTE TO DOMINIQUE A by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

A DECOUVRIR ABSOLUMENT VOLUME 26 by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

A DECOUVRIR ABSOLUMENT HORS SERIE #7 TRIBUTE TO BASHUNG by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

A DECOUVRIR ABSOLUMENT VOLUME 28 by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

A DECOUVRIR ABSOLUMENT VOLUME 31 by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

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A DECOUVRIR ABSOLUMENT HORS SERIE #14 - TRIBUTE TO MIOSSEC by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

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A DECOUVRIR ABSOLUMENT VOLUME 57 by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

A DECOUVRIR ABSOLUMENT HORS SERIE #17 - TRIBUTE TO SWELL by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

A DECOUVRIR ABSOLUMENT VOLUME 58 by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

A DECOUVRIR ABSOLUMENT VOLUME 59 by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

A DECOUVRIR ABSOLUMENT HORS SERIE #18 - TRIBUTE TO DEUS by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

Oniri 2070

Ludovic Bu — 2020-11-01T10:48:37Z

Un parc public, exceptionnellement ouvert pour la soirée, quelques allées à parcourir pour trouver le repaire. Un drap tendu entre deux séquoias protecteurs nous permet de confirmer que nous sommes au bon endroit. Quelques chaises posées à distance les unes des autres, virus oblige, deux vélos posés de part et d'autres de trois tables, sur lesquelles reposent ordinateurs, looper, tablettes, micros, appareil photo et… plein de choses indéfinissables. On découvrira plus tard que tout ce mélange de petits objets aux contours variés sert à faire en direct des vidéos hypnotisantes. Car, comme tout le reste, tout se fait sous les yeux à la fois écarquillés et enivrés par toute la magie offerte par l'Organic Orchestra.

Ce dernier présente “Oniri 2070”, une création itinérante et autonome en énergie. L'idée est simple : imaginer comment on fera de la musique à partir de 2060, après l'effondrement de la civilisation actuelle. Plutôt que l'horreur d'un Mad Max, “Oniri 2070” offre un voyage poétique, sonore et visuel. Juliette Guignard, Alex Machefel et Ezra, les trois artistes, nous font voyager dans un archipel fantastique et mouvant, parsemé de témoignages glanés au gré de leur route (la seule partie enregistrée du spectacle).

Ezra joue de sa voix, de ses cordes vocales, et de plein de petits instruments dont il triture les sons via des boucles et autres effets. Juliette Guignard dit des textes en français, en chante quelques uns dans un anglais proche du gallois, aux R roulants, et navigue sur la proue du vaisseau. Et Alex Machefel manipule avec mille précautions et une minutie délicate ses petits objets, ses filtres, ses lumières, ses caméras, pour illuminer tout l'univers sonore des deux autres. Tout cela est lent, doux, profond, passionnant, entraînant.

Le parc, lieu naturel et inhabituel pour un concert, souligne la beauté du spectacle et la pertinence du propos : les projections involontaires sur les arbres, les bruissements des feuilles, les ombres tamisées, les lumières évanescentes des habitations alentours donnent un air d'ère post-écroulement propice au spectacle. Et le hululement métronomique d'un hibou, perché un peu plus loin, a ajouté une touche organique à cette splendide musique électronique. L'effet waouh et vivant amplifié !

Evidemment, le fait que le spectacle soit autonome en énergie et transportable à vélo, et qu'il consomme moins d'1kWh pour chaque représentation, l'équivalent d'un projecteur dans une salle de spectacle ou d'une machine à laver, est un immense avantage. Il peut se jouer presque partout, d'autant que le seul kwh est produit par deux spectateurs choisis un peu au hasard dans le public et qui pédalent pendant les premières minutes du voyage. Un dispositif scénique des plus simples à mettre en place, et un résultat final dépassant largement ce qu'offrent les technologies les plus énergivores.

Les voitures ne rouleront peut-être plus à la fin de ce siècle, les avions seront probablement cloués au sol, mais “Oniri 2070” prouve qu'on pourra toujours faire de la musique. Et pas n'importe laquelle : envoûtante, magique, et écologique à la fois. “Oniri 2070”, un temps suspendu, magnifique, écolo. Courez voir ce spectacle ! Ou pédalez-y.

La page Facebook : https://www.facebook.com/cieorganicorchestra

site internet: : Site

Papier Tigre

Ludovic Bu — 2017-02-26T18:26:11Z

L'uberisation de la musique live passe t-elle par l'ordinateur ?

Ce soir, le FGO-Barbara nous offre un beau contraste pour répondre à cette question. En première partie de soirée, la prestation de Sheik Anorak. Un groupe ? Non, un homme seul, assis derrière sa batterie qui, une fois n'est pas coutume, est en front de scène. Un frontman caché derrière des fûts posés devant. Un paradoxe. L'autre étant que tout son concert repose sur des nappes de synthés pré enregistrées ou des boucles jouées à la guitare (pour de vrai, là), sur lesquelles Franck Garcia, l'homme qui se cache derrière l'alias du Sheik, enclenche sa batterie.

Ce serait peut-être acceptable si tout cela était au service d'un jeu de scène où de drums exceptionnel. Mais ce n'est pas le cas. Le dispositif est plutôt destiné à produire des chansons au format presque pop, si on excepte l'absence du repère couplet - refrain- couplet. Ajouté à cela, un chant éraillé vient parfaire une première partie dont nous regrettons juste l'absence d'autres musiciens qui auraient rendus l'expérience plus vivante et... live. Heureusement, des morceaux bien fagotés et un jeu de lumières bien foutu nous a permis de passer un bon moment. Mais tout de même, après 30 minutes de concert, nous avons plus eu l'impression d'assister à une répétition d'un musicien qui attend que son groupe arrive pour jouer pleinement...

En deuxième partie de soirée, mais en tête d'affiche, les Papier Tigre proposent un tout autre programme. A trois sur scène, aligné tout près du public, ils balancent la sauce d'entrée de jeu. Deux guitares très rock, une batterie puissante, un chant presque crié montrent que la présence de musiciens sur scène permet de faire des morceaux qui vont vite, montent tout de suite en force, et peuvent changer de rythme trois fois en quelques minutes (une des spécialités du groupe), sans que cela ne soit un problème. Bien au contraire ! Les morceaux sont puissants, le public peut voir que les musiciens prennent plaisir à jouer ensemble, à enchaîner les pirouettes, les ruptures, les chausses trappes dont ils se sortent toujours avec brio. La grosse centaine de présents ne s'y trompe pas, et bat la mesure avec la tête, le corps et les pieds. Jusqu'à plus soif. Comme quoi, la musique sans artifice, en direct, c'est tout de même drôlement mieux. Surtout si c'est du rock !

Léopoldine HH.

Jean Thooris — 2016-12-04T10:57:13Z

Un disque important

Léopoldine HH, selon nous, domine l'année musicale 2016. Plusieurs raisons à cela. D'abord, la confirmation d'un premier EP (paru en 2014 – Le Mini Cédé de Léopoldine) via, aujourd'hui, un album gargantuesque, loin des modes et du temps (Blumen Im Topf) – et il est toujours gratifiant de parier sur une découverte pour ensuite recevoir le triple de la mise espérée. Ensuite, une reconnaissance critique et publique, par le bouche à oreille et la force de l'évidence (comment, au moins, ne pas se poser la question « qui est Léopoldine » face à ce disque hors des sentiers battus ?). Enfin, l'important plaisir d'une musique qui échappe aux carcans, aux revivals, à la nostalgie, à l'égo et au défaitisme abscons (car, en 2016, le rock et la pop semblaient ou bien provenir de l'année 84, ou bien se répandre en pures affirmations égotiques, quand ils ne cherchaient pas le glauque à tous prix).

Blumen Im Topf est un disque important car, au-delà de l'effacement de l'artiste au profit de textes littéraires lui étant vitaux, il invite l'auditeur à rejoindre un monde où il fait bon vivre. Chez Léopoldine, on sait bien que l'époque n'incite guère à l'optimisme, que l'absurdité quotidienne exigerait de se perdre en colères froides ou revendications instinctives. Mais ce n'est pas le cas : Blumen Im Topf, inversement à tous les disques écoutés cette année, trouve une médiane, une façon d'apaiser, de cajoler, qui refuserait d'en passer par les voies de la béatitude comme d'un rapport concret au réel. Ici, la musique retrouve sa seule raison d'être : emporter, rassurer, attendrir, faire rire, inquiéter – bref : provoquer une émotion ni feinte ni schématique.

Littérature

Léopoldine se définit comme une chanteuse littéraire : refusant d'écrire ses propres mots, elle préfère mettre en musique des textes lui tenant particulièrement à cœur. Pourtant, qu'elle rende hommage (car l'appropriation se veut également révérence) à des auteurs tels que Gwenaëlle Aubry ou Roland Topor, Léopoldine chante les pensées d'autrui comme s'il s'agissait des siennes. La fusion est totale jusqu'au brouillage. À ce titre, l'auditeur n'ayant pas connaissance de ce travail littéraire pourrait voir en Blumen Im Topf une collection de chansons autobiographiques. L'argument tiendrait : chaque texte, effectivement, est capturé pour ce qu'il dévoile de Léopoldine – de façon intime. L'artiste raconte tout haut ce que ses livres fétiches suggèrent en catimini sur sa personnalité.

La chanson française littéraire existait-elle avant l'arrivée de Léopoldine ? Pas sûr. Jusqu'à présent, les musiciens se contentaient d'un texte de Baudelaire ou de Rimbaud (généralement placé en fin d'album pour insister sur l'aspect « exercice de style ») ou, tel Jean-Louis Murat avec Antoinette Deshoulières, consacraient un album entier à un seul écrivain ou poète. Du reste, l'hommage supplantait toujours l'identification. La démarche de Léopoldine est radicalement différente : les titres de Blumen dépendent tous d'un écrivain différent (ou presque), ils scrutent le point de vue contemporain plutôt qu'ils ne rendent allégeance aux figures tutélaires. Ce sont des mots d'ici et maintenant. La compositrice, comédienne de nature, n'a plus qu'à relier le sens des extraits littéraires choisis à une parcelle de son vécu.

En tournage

En ce 30 novembre glacial, dans un appartement proche du métro Stalingrad, Léopoldine tourne le clip de la chanson Blumen Im Topf. Mise en scène par Florent Gouëlou (avec Thomas Walser aux images), la vidéo part d'un principe simple (bien qu'en raccord avec la principale thématique de l'album) : des amis de Léopoldine sont invités à poser devant la caméra, avec l'un de leurs livres fétiches. Il ne s'agit pas d'exposer son savoir mais, au contraire, de personnellement réfléchir à un ouvrage nous tenant particulièrement à cœur – et, implicitement, nous ressemblant un peu – jusqu'à pouvoir y extraire une phrase ou un paragraphe à lire à haute voix. Ambiance conviviale et souriante : ce petit tournage permet à Léopoldine (qui n'est pas souvent sur Paris) de revoir ses amis le temps d'une journée que nous imaginons aussi gratifiante qu'exténuante. Les prises n'exigent pas plus de cinq minutes : à chacun de s'exprimer comme il l'entend, de faire ce qu'il sent, l'instinctif prédomine (du reste, Léo, Florent et Thomas privilégient le naturel des convives).

Les amis se succédant toutes les quinze minutes, et notre journée de ce mercredi 30 ne nous permettant malheureusement pas de rester trop longtemps, il faut très vite quitter Léopoldine en lui disant « à demain ». Car jeudi soir, l'auteure / compositrice se produit aux Trois Baudets – ce sera la seconde fois que nous verrons Léopoldine dans cette salle un peu rustique, hier à l'occasion de la sortie du Mini Cédé, demain pour une réinterprétation du monolithe Blumen.

Live

Comment retranscrire sur scène les arrangements complexes de Blumen Im Topf ? Impossible. D'autant plus que ce soir-là, le groupe (car Léopoldine HH est un groupe) se produit en formation trio.

Nous savions que Léopoldine envisageait l'utilisation du Pad, mais guère de manière aussi frénétique ! Débutant par le titre éponyme (qui arrache des rires complices dans le public – surtout des spectateurs alsaciens), le concert, soudainement, vire à une transe électro(iro)nique, quasi brechtienne. Léopoldine croise le fer avec New Order et Soft Cell ! Mais l'électro s'utilise ici de façon identique aux cordes et piano présents sur disque : le sérieux pactise avec la gaudriole, l'inquiétant avec le cheap. En réinventant Blumen à des fins scéniques, Léopoldine n'en trahit nullement la portée hétéroclite. Au contraire : l'humour redouble d'efficacité, de même que les moments introspectifs détiennent en live une ampleur surdimensionnée.

Et bien sûr, un concert de Léopoldine est un show, un délicat nivellement entre la prestation musicale et l'acting : commentaires faussement mutins (« le prochain titre… c'est la trois »), danses Ibiza, concours de maillots (Léopoldine à ses musiciens : « je ne vous l'avais pas dit ? »)…

Hormis l'ajout électro (qui nous fait dire que Léo doit impérativement réfléchir à un prochain disque axé synth-wave), rien n'a vraiment changé depuis le concert Trois Baudets de février 2015 : Léopoldine n'est pas folle mais son univers outrepasse tellement les limites admises que l'on peut facilement se surprendre à juger « barrée » une musique qui, inversement, détient une cohérence parfaitement limpide ; l'indépendance et la liberté offrent à cette chanteuse un don naturel pour la surprise et le revers à 180° ; impossible de prévoir à quoi pourrait ressembler un set de Léopoldine HH…

Décembre

Ainsi donc, l'heure du best of 2016 approche. Inversement à certains, nous trouvons ce rituel plaisant et revigorant : il permet de faire un petit bilan sur soi-même (en toute subjectivité), de séparer les élans éphémères de la passion qui perdure, d'essayer de mieux comprendre ce que nous attendons aujourd'hui d'un disque…

Plusieurs options artistiques s'offraient, cette année-ci, en France : s'aveugler face aux incertitudes universelles et redevenir puceau (sur le thème « dans ma bulle avec ma copine qui m'aime peut-être mais j'attends un bisou de sa part pour vous le dire »), se vautrer dans la poésie en alexandrins (« loin de la dévotion / je pris naguère ton fion »), clamer très fort l'attitude rébellion face à ces temps-pourris-je te dis pas (« et si demain je vais voter / ce ne sera pas pour toi, truie avariée »)… Bref : redondance, cirage de pompes et visite au club Mickey.

L'alternative textuelle consistait à se placer à égalité avec l'auditeur, à refuser de lui faire la moindre leçon, à réfuter bienséance comme joliesse nostalgique. C'est en omettant le « je » que certains musiciens français, en 2016, en dirent finalement beaucoup sur eux-mêmes : de MNNQNS à Eskimo, d'ALEXANDR à Phanee de Pool, de Mira Cétii à Nadj, le son des douze derniers mois esquissait l'attitude punk sans néanmoins tomber dans la nécessité du propos. Et à ce titre, en 2016, Léopoldine HH était la reine des keupons !

Post-scriptum : avec les nouveaux La Féline et France de Griessen, 2017 enverra encore bouler les sociétaires d'une pop française qui ne veut de mal à personne (donc qui ne sert à rien).

Crédit photo : @Vincent Muller

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Elton John

Witold Bolik — 2016-12-02T20:42:57Z

Hier on est allés voir Elton John au Zénith. Ca fait une bonne quinzaine d'années que je vis à Clermont et c'était mon premier concert au Zénith. Un cadeau de mes beaux-parents que je tiens à remercier ici.

Elton John est une vedette internationale de variétés pas complètement pourraves (pour que Margo Guryan souligne son talent d'écriture, ça ne peut pas être pourrave). Avec Bernie Taupin ils ont écrit quelques standubes (parfois appelés "tubdards" ou "tubes d'art") comme "I'm still standing" ou "I guess that's why they called it the blues" ou encore "Sorry seems to be the hardest word". Pour ceux qui ne connaissent pas encore le concept (que certes, je viens d'inventer), le standube est un tube qu'on a d'abord écouté mille fois dans différents contextes sociaux, d'abord dans l'enfance, avec une simple et vraie joie, puis assez vite avec ce mélange de tendresse nostalgique et de condescendance antalgique dont le temps nous presse de nous armer. C'est là la définition du tube, mais la couche supplémentaire qui transforme le tube en standube ou tubdard est ce qui "nous" pousse à écouter "I'm still standing" saoul (ou pas, hein) à quatre heures du matin, dans le contexte le plus asocial qui soit, aka : seul, par envie, par un mystérieux besoin que n'importe quelle justification gâcherait, par plaisir. C'est toujours un tube mais ça devient alors presque un standard. Laissez passer un ptit siècle et c'en sont (des standards, pas Véronique).

Ils ont aussi écrit des daubes, des chansons ratées, moches, mal foutues et même pas drôles, dont "Candle in the wind", l'oraison funèbre ikéa, modulable, qui clôt sur une note larmoyanto-tarte ce concert (au moins, merci Elton de nous en avoir épargné la présentation), représente à mon sens un des fleurons. Ils ont aussi écrit un paquet de chansons que je ne connaissais pas, dont "The bitch is back", réjouissant règlement de comptes avec un journaliste homophobe qui nous donne l'occasion de chanter en choeur le mot "Bitch" venant clignoter à point sur un écran géant qui fait office du prompteur d'un karaoké à 5000 (si j'en crois la Montagne), moment d'une exquise délicatesse s'il en est. Bitch ! Bitch ! The bitch is back !

Ce qui m'a fait plaisir dans ce concert, c'est que là où je m'attendais à voir un show à l'américaine, millimétré, j'ai vu un club de vieux potes qui prenaient du plaisir à jouer ensemble. Le fait même qu'ils ne soient pas fichus de chanter le même chœur ensemble sur "Sorry seems to be the hardest word", ou qu'Elton massacre le fantastique solo de guitare d'"I'm still standing" en tapant approximativement sur son piano à cet instant, les impros du genre "mais où veut-il en venir", le Steinway qui m'a semblé sonner comme un synthé cheapos qui saturait pendant une bonne moitié du concert, toutes ces imperfections, toute cette liberté et cette fragilité à ce (concert de) stade c'est agréable.

Là où c'était millimétré et pas très joli, c'était la disposition de la salle selon le prix (exorbitant, de 70 à 300 !) de la place, la chauffeuse de salle, genre de Sisyphe au sourire forcé en guise de pierre à trimballer, les groupies qui tapaient des mains sur le temps fort, ce qui gâche tout, mais bon (une bonne fois pour toutes, camarades de la rangée de devant : quand ça fait poum-tchak faut taper sur le tchak, sinon c'est laid). J'en connais qu'on confine à l'underground le plus pointu, à l'indie le plus érudit, à toutes ces conneries sans plus écouter la musique, en ne cherchant qu'à juger les gens ; j'en connais qui s'en soucient au point de se pourrir la vie à chercher à plaire, et à ne plus faire au fond que ça ; on emploie souvent l'expression "sombrer dans le mauvais goût" mais on peut atteindre, sinon le sublime, au moins le tubdard en assumant parfaitement sa voie et en s'en tenant à quelque chose d'essentiel qui marche aussi bien pour les auditeurs que les musiciens, prendre du plaisir à partager des chansons : moi, en écoutant Elton John en concert, je me suis dit qu'au moins, lui ne sombrerait jamais dans le bon goût, et oui, j'aimerais en prendre de la graine.

Respect Tonton, et à plus bitches !

Piers Faccini

gdo — 2016-11-27T16:37:59Z

Les sorties concerts deviennent difficiles, quand il faut convaincre son épouse et encore plus sa fille de sept ans, en âge de partager des moments magiques avec ses parents. Pour le concert du soir, la réticence de ma progéniture unique n'a pas été simple, celle-ci n'aimant qu'une chose, les guitares et le rock. Après des négociations rapides, car à la maison la dictature a toujours le dernier mot, nous nous dirigeâmes vers la MJC de Crépy-en-Valois pour le concert de Piers Faccini dans le cadre du festival des Hauts de France (nom qui s'impose finalement vite, c'est comme tout, sauf pour les bonnes idées).

J'avais déjà vu Piers à Paris , dont une fois de façon très incongrue dans le cadre d'un festival à la Défense, en plein midi, alors que les costumes cravates ingurgitaient panini ou salades composées pour se donner bonne conscience. Cette nouvelle rencontre dans le cadre intimiste de la petite salle de Crepy (salle à l'acoustique presque parfaite, si on excepte une climatisation excluant les concerts de musique de chambre derechef) devait s'annoncer comme une rencontre pour moi étrange, entre un artiste que je connais depuis une bonne dizaine d'années, et un public d'abonnés, pseudo notables d'une ville vivant aux crochets d'un Paris pas si lointain, ou amis de ces notables grotesques sortis d'une pièce de Molière adaptée par le café théâtre, là car il faut s'y montrer.

En première partie nous aurons le droit au récital de Moïse Melende. La formule est simple, piano, voix et …iPad. Si cet univers n'est pas dans mes domaines de prédilections, il devient presque une source d'agacement pour moi, quand le porteur de la voix (le chanteur) prouve qu'il a une forme de dextérité étonnante pour manier l'écran de sa tablette peut-être supérieure à son chant. Dérangeant de voir un artiste parler de « son univers » de « ses chansons » et de le sentir incapable de quitter des yeux ce mouchard des temps modernes, prompteur, jambe de bois de nos mémoires affaiblies. Les mains autres cordes à l'arc de cette représentation sont alors coupées dans des élans de sincérité pour revenir inlassablement caresser un écran froid et lumineux sur lequel les paroles doivent défiler. Nougaro et Brel auront beau être convoqués sur scène, le courant ne passera pas.

Il sera alors temps de boire la bière locale et d'entendre ce genre de phrase surannée d'un notable local à l'encontre du chanteur sans mémoire "laissez-moi vous offrir une bière pour vous remercier pour le récital ". A deux doigts de regarder si derrière le comptoir se cacheraient des urnes clandestines pour les élections de la primaire de la droite, nous décidons ma fille et moi de nous goinfrer de chips avant de nous rendre vers les commodités pour nous délecter d'un poids qui pourrait nous gêner pendant le concert.

Piers Faccini arrive sur scène, non pas pour commencer le concert, juste pour installer ses guitares. Il repartira pour respecter le cérémonial de l'entrée des artistes. Il est accompagné de Malik Ziad à la mandole et à une forme de basse arrivée tout droit d'Afrique. Piers Faccini sera le conteur de la soirée, celui qui imagine cette histoire, celle d'une ile parfaite et accueillante, cette ile que nous ne sommes plus, incapables que nous sommes d'accueillir sans juger. Malik sera celui qui fera de ce concert un voyage dans une méditerranée rêvée. Que ce soit pendant l'accompagnement ou les virgules qui habillent les moments pendant lesquels Piers accorde sa guitare, Malik nous offre des teintes, des odeurs, et dégage des bronches d'une société française sclérosée dans une forme de retour vers un passé, sans pour autant parler d'illusion perdue. Et c'est là où le concert s'avère tout aussi fantastique que tendu dans le fond. Piers présentera ses morceaux (principalement de son dernier opus) parlant de façon érudite et toujours sincère de la nécessité du brassage, de l'accueil de l'autre (Bring Down The Wall présenté par Piers comme une chanson anti Trump) face à un public, d'une région qui au pire vote pour la grosse blonde au mieux ira se réfugier le lendemain de ce concert dans les bras d'un type aux gros sourcils. Le plaisir sera chez moi divin quand à la fin de Bring Down The Wall, Piers se lèvera avec son tambourin pour une tarentelle suivie elle même sur le même rythme par une tarentelle kabyle chantée par Ziad. Ne plus entendre deux vieux du Muppet Show derrière nous commenter le concert, comme tétaniser d'entendre de l'arabe pendant ce concert (Michel nous avait dit que c'était un chanteur italien, tu parles) sera l'une des victoires de ce concert intimiste, mais au final aux idées tellement bouillantes que le fracas des idées et des mots pouvaient cogner dans les têtes.

L'intimité ne sautant pas aux yeux d'une photographe amateur, Piers lui demanda de bien vouloir arrêter de prendre les photos, son appareil couvant ces silences nécessaires à la dégustation de ces chansons. Et c'est tout le charme de Piers. Capable le temps d'un rappel de nous plonger dans un abime de tristesse, et d'enchainer en nous présentant le morceau suivant comme quelque chose de plus joyeux, un dernier morceau écrit….le lendemain du drame du Bataclan.

Allant très peu piocher dans sa plantureuse discographie, ce beau citoyen du monde nous fera voyager, nous projetant dans le rôle de ces réfugiés que nous avons tant de mal à accepter, nous les petits enfants d'une guerre qui aura vu les nôtres changer de région, oubliant les frontières (« The Beggar The Thief » est en cela un message personnel implacable brulant, donc universel).

Comme me dira ma fille, pourquoi les chansons sont tristes. A cela je lui ai répondu, triste ? Mais tu n'as pas de larmes, tu as même un beau sourire ? C'était beau, j'ai voyagé et on a chanté contre Trump !!

Et si tout ce public que je rêve de voir un soir venir (car ils viennent, ils sont abonnés – bémol l'absence d'un public jeune, à 5 euros la place franchement) pour une soirée spéciale à la MJC, une carte blanche d'ADA pendant laquelle Summer, Lou et Witold Bolik couvriraient le bruit de la climatisation, pouvaient avoir par ce voyage érudit et beau changé de direction à donner à leur vie, et principalement à celle de leurs enfants. Une sortie concert, une ballade poétique, une leçon de choses, un acte politique…une belle soirée émouvante, dépaysante.

Del

gdo — 2016-10-23T18:54:57Z

Quand un label fête ses quinze ans, nous applaudissons, nous sortons les disques en regardant le chemin parcouru. Quand c'est We Are Unique Records fête ses quinze ans, nous sortons les disques, déployons les tréteaux pour dresser une grande table et festoyons en parlant de cette belle histoire pas comme les autres. ADA profite donc de la sortie d'une compilation (“Fuck da Hype ! - 2001-2016 - The Best Of” disponible sur bandcamp) pour lui donner les clés de notre webzine, Gerald Guibaud en maitre des lieux nous parle de ses poulains, l'occasion également de dresser un bilan du label, des envies, des craintes, des désirs, des colères…….cinquiéme épisode : Del

Del est un vieux projet de Mickaël Mottet, antérieur à la sortie de ses albums sur notre label. Lorsque nous avons lancé en 2009 l'offre de membres bienfaiteurs du label, calquée sur le principe des AMAPS (on était vraiment précurseurs, personne n'avait fait ça avant), nous voulions offrir du son et des disques inédits à tous ceux qui adhéraient. Et del est vite revenu sur la table. On avait intégré un titre sur notre compilation des 5 ans du label et ce disque méritait vraiment une existence sur disque. On a donc fait un petit tirage en format cd single et seul nos membres l'ont reçu, il n'y a pas eu de sortie en magasin. Sur cet album, que Mickaël a enregistré avec son cousin Francis (le sax des hiddentracks) et Brigitte Vautrin (qui chanta par la suite sur un titre de The And), on voit déjà tout le talent et le potentiel de Mickaël pour écrire des putains de bonnes chansons pop ! Answering Machine song, Turkish delight, c'est des sacrés tubes, qui n'ont pas à rougir du savoir faire anglo-saxon !

Del sur les compilations ADA :

A DECOUVRIR ABSOLUMENT VOLUME 21 by A DECOUVRIR ABSOLUMENT

site internet: : We Are Unique Records

And Also The Trees

Jean Thooris — 2016-10-21T12:00:58Z

Décidément, une semaine post goth. Après l'éclatant concert de Peter Murphy au 3 Clichy, c'est au tour d'And Also The Trees de convaincre une salle comble, ce dimanche 16 octobre, au Café de la Danse. Post goth ? Dans le cas du groupe mené par Simon Huw Jones et Justin Jones, l'étiquette s'affirme obsolète. Croisé avant le concert, Olivier Mellano (fan absolu) osait cette déclaration : « aujourd'hui, And Also The Trees ressemble aux Tindersticks et à Scott Walker… en mieux. » Et si Olivier avait raison ? Car lorsque Stuart Staples et son gang labourent, grosso modo, le même territoire depuis leur troisième album, et lorsque Scott Walker vire de plus en plus hermétique, And Also The Trees, lui, s'est progressivement délaissé des oripeaux 80's pour n'en conserver que la clarté de l'écriture – Nick Cave en moins stylisé, Stuart Staples sans les automatismes.

Divisé en deux parties, le concert débute par une lente mise en place. Le duo And Also The Trees impose une ambiance, prend son temps, organise une montée limite architecturale. Les pièces d'un puzzle, acoustique et synthétique, s'assemblent jusqu'à l'explosion attendue (en presque formation complète). Ambiance théâtrale, chuchotement et apaisement. And Also The Trees, de nos jours : un jeune groupe qui tient en haleine, qui maîtrise parfaitement l'art du silence comme du soudain déploiement (Mark Hollis n'est pas loin).

En seconde partie, le groupe permet un voyage dans le temps pour les addicts se questionnant, face au vif du sujet, sur leur adolescence, leur jeunesse, sur le pourquoi aiment-ils toujours autant And Also The Trees. Il est rare que la vision du public en dise bien plus que le concert lui-même : et ce soir, à de nombreuses occasions, il était préférable d'observer les visages épanouis, interrogatifs, enfantins, d'une foule qui, probablement, venait de lier passé et présent.

Ce concert d'And Also The Trees permettait de faire un bilan de nos jeunes années, d'en tirer des conclusions revigorantes (finalement, on vieillit tous bien), et, peut-être plus important, d'admettre qu'un groupe chéri durant l'adolescence est capable d'accompagner les étapes de la vie adulte. Il ne s'agissait pas tant d'un live que d'une thérapie personnelle.

Photos : Jérôme Sevrette

Retrouvez l'intégralité des photos et l'ensemble des travaux de Jérôme sur son site :