À découvrir absolument

Raye

Alix de Stermaria — 2026-08-07T15:11:41Z

Évacuons d'emblée le sujet qui fâche : oui, l'ombre de la regrettée Amy Winehouse plane sur le nouvel album de Raye – difficile de faire autrement dès lors qu'il s'agit de soul contemporaine – mais à quelques arrangements et inflexions de voix près, pas de quoi s'agacer, d'autant plus que, porté par une ambition aussi louable que casse-gueule, This Music May Contain Hope dépasse largement le cadre R&B. Mieux que ça, il l'explose. Couverte de gloire et de Brit Awards à la suite de l'inaugural My 21st Century Blues (2024), mais également collaboratrice d'artistes tels que Beyoncé, Charli XCX et John Legend, Rachel Agatha Keen a – pour son grand retour – placé la barre très (très) (très) haut, nous livrant rien de moins qu'un music-hall, mélodramatique tout autant qu'espiègle ou romantique, dans lequel elle se narre sans pudeur, espoirs ou déboires à l'appui – en guise de confirmation artistique, une odyssée jazz-pop cinématographique et un double album, il fallait oser, d'autant plus que la Londonienne n'hésite pas à briser le quatrième mur, pour s'adresser à l'auditeur, haranguer la critique ou réciter – durant le morceau final – les crédits de production. Divisé en quatre actes, un acte par saison, et s'ouvrant sur un prologue posant le décorum dans un Paris de film noir (Intro : Girl Under The Grey Cloud), le disque est aussi brillant que déroutant. Brillant parce qu'à cheval entre mille répertoires (swing, ragtime, jazz, burlesque, easy listening, funk, disco, etc.), souvent surprenant, fourmillant d'arrangements fouillés et d'idées de mise en scène, riche d'une grandiloquence fofolle absolument charmante. Déroutant parce que trop de tout – de pompe, de mots, de théâtralité – mais également un peu de rien, soit des temps faibles qui vous coupent les jambes au moment où – enfiévré – vous grimpez sur votre siège. Après un premier acte magistral, où le chant de Raye – notamment sur The WhatsApp Shakespeare – fait des merveilles, et à l'issue duquel on se dit que la fusée est lancée, que rien ne pourra l'arrêter, patatra. Consacré à l'hiver, le second acte est un désastre. Certes, l'hiver n'est pas la saison la plus enjouée, mais pourquoi l'auto-tune sur la voix et ces violons qui singent Vivaldi (Winter Woman), pourquoi cette ballade soul héroïco-pompeuse à la Tina Turner (I Know You're Hurting), pourquoi inviter un Hans Zimmer à bout de souffle (Click Clack Symphony) ? « I'm not giving up yet » nous assène Raye durant un Life Boat ourlé, nourri de dance music. Nous non plus, et franchement, ça vaudra le coup de s'accrocher, ne serait-ce que pour entendre, sur la sucrerie soul lounge Goodbye Henry, rien de moins qu'Al Green. S'ensuit une collection de morceaux irrésistibles – dont le tube WHERE IS MY HUSBAND ! – et touchants, telle la ballade gospel folk Fields, où Raye partage le microphone avec son grand-père Michael : le mariage de la grandiloquence et de l'intimité, voilà le point fort de l'imparfait This Music May Contain Hope. Au gré de textes imagés, drôle, mordante, sensible et sans fard, Raye se lance, Raye se plante, Raye se relève et recommence, tous risques narratifs transparaissant jusque dans sa musique, audacieuse, échevelée, parfois bancale, révélant une véritable singularité artistique. La définition même du panache.

site internet: : Human Re Sources

Dupont

Alix de Stermaria — 2026-08-07T15:09:11Z

Québecois installé au bord du lac d'Annecy depuis une vingtaine d'années, Jean-Claude Dupont sort du bois à l'âge où la plupart des musiciens remisent définitivement les guitares dans leurs étuis. Point de naphtaline sur ce troisième album rafraîchissant tout autant que mélancolique : à l'instar d'un Louis Calaferte persuadé qu'écrire lui permettrait de repousser l'inéluctable, le septuagénaire - épaulé par Nicolas Fizman et Denis Bénarosch - conjure le mauvais sort à coups de rengaines country folk (Des kilomètres d'enfer), de ballades feutrées (Mehla Mylady) et de reprises ciselées, telles que l'entêtante En amour avec lui, composée en son temps par l'illustre Gaston Mondeville. Un premier disque publié en 1980 (Pouvoir Savoir), le suivant en 1997 (Un frisson sous la peau), Dupont se fait rare, l'exigence, peut-être, la pudeur, également, l'humilité, probablement. En français, en anglais, en espagnol, l'auteur compositeur égrène mélodies sobres et arrangements lettrés, entre americana et variété francophone de qualité. Pedal steel, piano, mandoline, orgue, cordes émouvantes, chœurs soulful, tout concourt à faire de Pensées vagabondes une déclaration d'amour, déclinée en sept morceaux d'une homogénéité prégnante, porté par un classicisme assumé non dénué d'espièglerie (Ricky and the Boomers). Éloge de la patience, au service d'un talent apaisé, et surtout, d'un talent apaisant.

site internet: : Baboo Music

Tender Ender

gdo — 2026-08-07T15:03:20Z

Après un premier album particulièrement convaincant, le Suisse Thomas Schmidiger poursuit l'aventure Tender Ender avec Darkness , premier extrait de Red Kites, attendu le 13 novembre prochain. Porté par un modeste orgue domestique, le morceau cultive une mélancolie lumineuse où la voix grave de Schmidiger dialogue avec celle, presque spectrale, de Sabine Ruch. Impossible de ne pas penser, par instants, à l'univers si singulier de Winter Family, tant cette musique semble préférer le murmure à l'emphase. Le clip, réalisé par Thomas Schmidiger, mérite tout autant le détour. Son sublime noir et blanc confère à la simple action de la moisson une grâce presque irréelle, transformant un geste quotidien en une parenthèse contemplative d'une rare beauté. Une entrée en matière aussi discrète que profondément prometteuse.

site internet: : Autoproduction

Haxovox

Alix de Stermaria — 2026-08-03T15:48:40Z

L'intitulé du premier album d'Haxovox soulève un paradoxe, rappelant que l'art se nourrit de contrastes. Danser, danser au vent, sur une scène ou une plage déserte, au pied des vagues, imperméable aux embruns et au regard de l'autre, exprime une liberté telle que celle d'Isadora Duncan, immortalisée – en 1905 sur une plage de Long Beach – par le philologue allemand Arnold Genthe. Encagée, circonscrite, corsetée, la danse – vie de l'esprit d'un corps plus profond – n'en reste pas moins sauvage, quand bien même l'espace se réduit. Il y a que la chair, ne serait-ce qu'en esprit, voyage. Des millimètres aux années-lumière, la gestuelle est la même – sonder l'âme, capter la pulsation primordiale, transcender l'instant présent, peu importe le carcan. Il en va ainsi de Danser dans les cages, enregistré ces dernières années entre Lille et Paris : si le duo – épaulé par Noélie Amiot (chœurs) et Marie Bourdellès (saxophone) – se répartit un riche instrumentarium, il revient à Yekta d'interpréter les textes qu'il écrit, parfait contrepoint aux programmations ciselées de STPo. Il s'en vêt, blafard, il déambule, incandescent, il les hante. Pas pour rien que le visuel énigmatique signé Étienne Orsini se fasse le reflet fantomatique des douze compositions d'un opus alimenté par les marges nocturnes chères à Huysmans ou Strindberg. S'ouvrant sur l'instrumental dark folk Station Léviathan, nourri de drone, de collages sonores et d'arpèges réverbérés, Danser dans les cages – creusant l'abîme, égrenant l'ombre, épluchant la noirceur – est un pandémonium de sensations troublantes. New wave, jazz, noise, post-rock, metalcore, Haxovox convoque les Cure tout autant qu'Also The Trees, à l'instar du foisonnant Derrière des poignées froides ou de l'oppressant Sur une perte d'équilibre. Les structures évolutives, patientes, lancinantes, agrémentées d'étonnantes guitares électriques hard-rock, offrent à la voix de Yekta un écrin parfait, entre spoken word fiévreux, déclamations habitées et mélodies incandescentes : ici, on est bien loin, et bien au-dessus, du tout venant pseudo-poétique, qui se contente de marmonner des textes pauvres sur des instrumentaux balisés. Danser dans les cages respire la passion, prend des risques, inspire le respect – un modèle du genre. Si cages il y a, elles sont ici ornements, ou incitations à voir au-delà. Telle est la poésie.

Danser dans les cages de Haxovox

site internet: : Autoproduction

Vince Staples

Alix de Stermaria — 2026-08-03T15:37:37Z

Comment résister au timbre de voix légèrement éraillé du californien Vince Staples, qui rappelle celui de Michael Ivey ? Sans parler de son flow – fluide, nerveux, caustique -, des beats lo-fi qui cognent, des lignes de basse saturées, mixées en avant, des claviers acidifiés, des guitares délicieusement distordues ? Hip-hop, certes, mais O combien lettré, un régal de crossover : rythmique jungle sur le post-punk The Running Man, magma garage à la Black Keys sur TV Guide, dont les paroles font écho au mythique Television, the Drug of a Nation des Disposable Heroes of Hiphoprisy, fusion vintage évoquant Urban Dance Squad sur ce The Big Bad Wolf gorgé de samples et de groove. On sent bien qu'avec ce septième opus, le natif de Long Beach, par ailleurs membre du collectif Cutthroat Boyz, a une dent contre son pays, contre son époque. En témoigne un Only In America compact, ironique à souhait, plus rock que hip-hop, fantasme syncrétique tel que rêvé par TV on the Radio, ou ce Do You Know The Devil électro-clash à l'intitulé particulièrement évocateur. Dix titres, trente-cinq minutes, sans temps morts ni remplissage stérile, Cry Baby – bien que décontracté, à l'image d'un Cotton aussi sexy que du Prince sous influence Calvin Harris, ou de la ballade soul 7 In The Morning – est un objet politique à la puissance de feu inégalée, qui plus est s'avère d'une qualité musicale telle qu'il devrait complexer à tout jamais le moindre de nos rappeurs hexagonaux, dont la conscience – cramée par des stéréotypes plus mortifères les uns que les autres – patauge dans une complaisance que personne n'osera remettre en question. Essentiel.

Cry Baby de Vince Staples

site internet: : Loma Vista

UN-TER

Alix de Stermaria — 2026-07-29T14:16:48Z

En novembre dernier, Autoreverse annonçait la couleur : sept minutes de shoegaze lysergique, patient et mélodieux, teinté de drone, comme suspendu entre deux vagues de distorsion. Il n'en fallait pas moins pour s'intéresser aux malouins de UN-TER, quatuor composé de membres de Seitoung et Flying Nuns, qui vient de sortir un premier (double) single brouillardeux à souhait. Lancinante, vénéneuse, gorgée de saturation et portée par des motifs mélodiques lumineux, la mélopée Abyssal évoque The Jesus and Mary Chain tout autant que My Bloody Valentine, tandis que Neiz Vran, interprétée en français et en breton, œuvre dans un psychédélisme lo-fi à la lisière de la noisy-pop. En bonus, une version écourtée – compacte et concise – d'Autoreverse, histoire de remettre les pendules à l'heure, en attendant un album que l'on ne manquera pas de chroniquer : semper fidelis.

Abyssal / Neiz Vran de UN-TER

site internet: : Autoproduction

Rome Buyce Night

gdo — 2026-07-29T14:11:47Z

Les lecteurs du webzine connaissent bien Rome Buyce Night. Le groupe a déjà marqué de son empreinte deux de nos compilations, les volumes 20 et 26. Plus de vingt-cinq ans après sa formation, cette fidélité n'a rien d'un hasard. Rares sont les formations françaises qui auront traversé les décennies avec une telle constance, en continuant d'explorer les marges du post-rock sans jamais céder aux sirènes de la répétition.

Lézardes en est une nouvelle démonstration. Trois morceaux seulement, enregistrés d'un seul souffle, dans les profondeurs d'un studio installé sous un ancien parking. Le décor pourrait sembler anecdotique. Il ne l'est pas. Cette musique semble effectivement avoir été façonnée loin de la lumière, là où le béton travaille lentement, où les murs se fissurent sans bruit et où chaque résonance prend une ampleur particulière.

On a souvent rapproché Rome Buyce Night de Mogwai, et la comparaison conserve une part de vérité. Pourtant, là où les Écossais aiment provoquer la déflagration, les Français préfèrent contaminer l'auditeur avec une infinie patience. On les imaginerait volontiers débouler du réfrigérateur après minuit, comme dans un film de Joe Dante. Mais leur métamorphose ne relève jamais du grotesque. Elle agit comme un venin discrètement déposé sur des arpèges lumineux, une lente propagation où la douceur prépare constamment la morsure. Chez Rome Buyce Night, le yin et le yang ne s'opposent jamais, ils cohabitent dans une même respiration.

L'improvisation occupe ici une place essentielle. Rien ne paraît figé, rien ne semble répondre à un plan préétabli. Les idées émergent, se croisent, bifurquent, avant de trouver leur équilibre dans un mouvement collectif d'une remarquable fluidité. On pense parfois davantage à Godspeed You ! Black Emperor qu'à Mogwai, notamment dans cette manière de laisser un bourdon presque immobile servir de socle à une architecture instrumentale qui se construit sous nos yeux. L'escalier qui descend est le même que celui qui descend, avec son titre aussi absurde que fascinant, illustre parfaitement cette logique : la musique avance moins par démonstration que par lente sédimentation.

Il y a dans ces longues compositions un souffle presque épique. Un péplum débarrassé de tout spectaculaire, où les paysages remplaceraient les héros et où les silences pèseraient autant que les montées en puissance. Rome Buyce Night ne cherche jamais à impressionner ; le groupe préfère installer une tension souterraine qui finit par nous gagner presque malgré nous. Le post-rock possède ici toute sa grammaire, mais surtout toute sa raison d'être. À l'heure où les plateformes débordent de musiques calibrées pour une consommation instantanée, retrouver un disque de cette trempe revient à s'asseoir devant une grande table après des semaines de restauration industrielle. On redécouvre le goût du temps long, celui qui demande de la patience mais récompense l'écoute attentive.

Et puis il y a Lézardes. Rarement un titre aura aussi bien résumé une œuvre. Rien n'est ici de l'ordre du bulldozer. Rome Buyce Night préfère déplacer les fondations avec une précision presque invisible. Les morceaux travaillent les certitudes comme le temps travaille les murs, faisant apparaître peu à peu des fissures qui ne sont pas des blessures, mais des lignes de vie.

Lorsque le vacarme du monde finira par retomber, lorsque l'humanité lèvera enfin les yeux vers le ciel avec quelques excuses à présenter pour les ruines qu'elle aura laissées derrière elle, il ne serait pas étonnant que Lézardes continue de résonner. Parce que cette musique ne raconte pas la catastrophe. Elle suggère déjà ce qui pourrait lui survivre.

site internet: : Zéro égal petit intérieur

Sarah Maï

Alix de Stermaria — 2026-07-23T09:16:24Z

« L'ennui est pire sous le soleil, j'attends la nuit, collée au ventilo ». Tandis qu'entre monotonie des jours arides et thermomètre coincé dans le rouge nous mijotons à petit feu, paroles de circonstances, qui introduisent l'addictive ritournelle Minori, merveille de bedroom pop synthétique, avec ses claviers bleutés, sa boîte à rythmes noyée de réverbération et sa mélodie entêtante, paisible, évoquant une Mylène Farmer à taille humaine – un ravissement. Il y a que la rennaise Sarah-Maï, dont nous avions il y a deux ans particulièrement apprécié le EP À l'opposé, œuvre dans une pop francophone sans œillères ni snobisme, minimaliste et inspirée, jamais avare de cette sensibilité à fleur de mots qui transparaît dans les compositions de son nouvel opus, Sous la tonnelle. Et sous la tonnelle de Sarah-Maï, on trouve quoi ? Une collection de chansons atmosphériques, aussi douces que délicates, des comptines, des complaintes, des berceuses, bâties sur de courtes boucles d'accords, des motifs répétitifs et des ondées vaporeuses. A l'instar de son camarade de label MacThenardier, Sarah-Maï raconte le petit – sa vie (ou le monde) – pour mieux parler du grand – le monde (ou sa vie) : toute mélancolie diffuse incluse, ses textes pointillistes s'attachent aux mille détails, même invisibles, qui nourrissent nos existences. La multi-instrumentiste n'en reste pas moins espiègle : le chaloupé Cerises nous rappelle Mathieu Boogaerts, tandis que sur la ballade bariolée et groovy Sous la tonnelle, elle invite l'artiste Pâte à Sel, avant de reprendre – dans une version bien plus reposante – le Una calle nos separa de l'argentin Néstor en Bloque. Se clôturant sur le nostalgique Les tapis d'hier, le troisième EP de Sarah-Maï est un remède contre la sociopathie : à défaut de se castagner dans les supermarchés pour un ventilateur en toc, l'on pourra toujours rêvasser sous cette tonnelle, magiquement ombragée.

Sous la tonnelle de Sarah Maï

site internet: : Entre-soi, Carpaccio Cathedrale

Josh Mason

gdo — 2026-07-23T09:11:56Z

Kicking a Dark Horse n'est pas seulement un disque. C'est aussi un livre, pensé pour dialoguer avec la musique plutôt que pour l'accompagner. Les deux avancent de concert, sans que l'un n'explique l'autre. Une invitation à prendre son temps, à accepter de ne pas tout saisir immédiatement, comme on entrouvrirait une porte sur un territoire dont on ignore encore les contours. On estime que près de 95 % des profondeurs marines demeurent aujourd'hui inexplorées. À l'écoute de Kicking a Dark Horse, on se dit que Josh Mason s'est donné pour mission d'en rapporter une bande-son.

La descente est progressive. Très vite, les repères disparaissent. Les sons ne cherchent jamais à nous guider ; ils signalent simplement une présence. On croit distinguer des poissons aux formes improbables, des créatures que l'on devine davantage qu'on ne les observe, tandis que des bruits venus des profondeurs nous alertent sans jamais nous indiquer une direction. Rien n'est véritablement inquiétant, mais tout demeure profondément étranger. Cette musique électronique ne relève ni de la déconstruction ni de la reconstruction. Elle flotte entre deux eaux, comme si Josh Mason avait renoncé à toute démonstration pour privilégier l'immersion. Les textures s'étirent avec une lenteur presque organique, dessinant une matière liquide dans laquelle il devient difficile de distinguer ce qui appartient à la mélodie, à l'ambiance ou au simple mouvement de l'eau.

L'écoute possède d'ailleurs quelque chose d'éminemment physique. Les paupières s'alourdissent, la respiration ralentit, le temps semble perdre toute consistance. Mieux vaut sans doute éviter de découvrir ce disque au volant d'un véhicule. Non parce qu'il manquerait d'intérêt, mais parce qu'il installe un état de disponibilité proche de la méditation. Une musique qui invite davantage au relâchement qu'à la vigilance.

À mesure que l'on progresse, un étrange paradoxe s'impose. Derrière cette abstraction électronique se cache une douceur inattendue, presque pastorale, presque monacale. Comme si, au fond de cet océan imaginaire, subsistait un monastère oublié dont le silence aurait simplement changé de texture. Le livre prolonge naturellement cette expérience. Il ne sert jamais de mode d'emploi, pas plus que la musique n'illustre les textes. Les deux objets se répondent, se croisent, s'éloignent parfois pour mieux se retrouver. On passe de l'un à l'autre comme on dériverait entre deux courants marins, sans toujours savoir lequel nous entraîne réellement.

Reste la question de la durée. Près d'une heure passée dans cet univers demande une disponibilité peu commune. À plusieurs reprises, l'envie de refaire surface se fait sentir, simplement pour reprendre son souffle avant de replonger. Ce n'est pas un reproche, mais la conséquence logique d'une œuvre qui privilégie l'immersion à l'efficacité immédiate.

Kicking a Dark Horse n'est pas un disque que l'on consomme distraitement. Il demande d'accepter de perdre ses repères, de laisser le temps s'étirer et les sensations prendre le pas sur les certitudes. On n'y reviendra sans doute pas chaque semaine. Mais lorsque l'envie de disparaître quelques instants sous la surface se fera sentir, ce disque — et le livre qui l'accompagne — deviendront des compagnons de plongée dont on acceptera volontiers les silences autant que les mystères.

Kicking A Dark Horse de Josh Mason

site internet: : Greyfade

Pond

Alix de Stermaria — 2026-07-23T08:14:44Z

Les ravages de la distraction. Ou de la sénilité précoce, allez savoir. Parcourant la liste des sorties musicales de ces dernières semaines, je m'exclame : « Oh, un nouveau Bardo Pond, ils existent encore ?!! ». Non, pas que je sois fan du combo pennsylvanien, mais les années 90 parfois me manquent, y compris les groupes qui évoluaient en deuxième division et qu'à l'époque évidemment je snobais. Avec le onzième album des australiens de Pond, formé en 2008 par des membres de Tame Impala, j'en suis pour mes frais : la machine à remonter le temps déraille, direction les années 80 et un étrange revival goth-pop ressuscitant guitares scintillantes, halos de chorus et de réverbération, nappes de synthé liquoreuses, batteries qui jouent comme des boîtes à rythmes et choucroute-dans-les-cheveux à la Ian McCulloch ou Siouxsie Sioux. Zut. Tout n'est pas à jeter, mais la forme sans le fond, c'est à dire sans mélodies qui tuent, ça tourne vite à l'exercice de style stérile, voire à la citation - The B-52's sur l'introductif Skyworks, ce bon vieux Lawrence sur le racé Two Hands, les Only Ones (ou les Undertones) sur Personal Hell et les Midnight Oil un peu partout, sachant que la plupart des compositions sont alourdies par des ponts psychédéliques et des riffs de guitare hard-rock light dignes de The Knack. Pour attirer le chaland naïf, Nick Allbrook et ses acolytes brandiront l'étendard « Goths at the Pub » : las, nul gothique dans ce pub vide, où seuls quelques poivrots traînent au comptoir, se chamaillant pour savoir qui - de Bon Scott ou de Brian Johnson - est le meilleur chanteur d'AC/DC, avant de s'enfiler une mare de bière tiède. [Pond, ça veut dire étang.] [oui, je sais que ça ne se fait pas d'expliquer les blagues, mais je suis certain que vous n'auriez pas compris] [tout ça pour dire que je ne savais pas comment terminer la chronique d'un disque que je n'avais pas prévu d'écouter].

Terrestrials de Pond

site internet: : Mangovision