À découvrir absolument

Camille

Alix de Stermaria — 2026-09-29T17:55:25Z

À l'heure où Lindsay Clancy est une icône féministe, il est mal vu d'afficher le bonheur qu'il y a d'être mère. Tant pis pour Camille qui, durant un bienveillant ballet de presque deux heures, met en scène, en musique et en joie les quinze dernières années de sa vie de famille. Soit un copieux triptyque, évoquant la Naissance – collage sonore de trente minutes, constitué de field recordings, d'embryons de ritournelles, d'emballements et de fous-rires ; l'Enfance – accompagnée par le violoncelliste Pierre-François Dufour, Camille compose des comptines chorales minimalistes aussi brèves qu'espiègles ; l'Adolescence, chansons plus amples, plus travaillées, plus grises, aussi, qui vous emportent ou vous irritent – comme un ado. D'un volet l'autre, on retrouve des mélodies identiques, elles évoluent, se complexifient, grandissent – mise en abyme. Telle officine humaniste soutiendra que la vision idyllique de l'expérience parentale et des dynamiques familiales dépeinte dans The Sound of Milk occulterait une réalité plus nuancée, voire sombre, vécue par la majorité des vrais gens. Argument recevable, néanmoins oiseux. La dernière fois qu'une idéologie a arrimé au réel les artistes, on dira poliment que ce ne fut pas le meilleur des mondes. Et alors que je m'apprêtais à mordiller ce disque – trop long, trop bavard –, me voilà au champ d'honneur à défendre une œuvre qui mérite mieux qu'un rappel à l'ordre, ne serait-ce que parce qu'elle contient beaucoup plus de vérité(s) que le journal précité ne semble le croire. Voici le portrait naturaliste – radieux, très légèrement inquiet (avoir des enfants, c'est aimer infiniment, mais également découvrir la peur, infiniment) – d'une artiste qui se présente à nous dans le plus simple des appareils. Non pas un corps nu, tel qu'apparaissant sur le très beau visuel de l'album, signé Sophie Calle, mais sa voix. Sa voix guérisseuse, sa voix chat noir, faite de mille voix qui soupirent, murmurent, déraillent, réconfortent, sourient, amusent, brusquent ou bercent, qui regimbent et qui émeuvent. Quoi de plus nu, mais quoi de plus habillant qu'un chant ? L'on préférera la Camille des complaintes – merveille que la lumineuse, élégiaque et liquide No Miracle – à la Camille des comptines, trop échevelée à mon goût, mais toutes les facettes de la chanteuse méritent notre attention, d'autant plus que la production brute, qui laisse entendre les cliquetis, les grincements, les bruits de bouche, les hésitations, la reprise du souffle et les vibratos, renforce l'impression de proximité – nous partageons, sinon la pièce ou le moment, la même respiration. Parce qu'il faut le rappeler, toute agaçante soit-elle quand en tics elle se perd, Camille est une interprète hors-pair. Bête de flow, sur des morceaux tels que Le voyage, Bonjour, Monsieur Garçon et À nos enfants, elle fait des ravages – tout est si beau, si harmonieux, si précis, un ravissement. Alors oui, j'entends bien qu'elle en fait trop, surtout quand elle se pince le nez ou grince ou tonne, qu'écouter The Sound of Milk en une seule traite est une épreuve et qu'on se croirait dans une publicité Ricoré (« Le soleil vient de se lever… »), mais ZUT ! S'il y a bien un truc qui actuellement m'exaspère, c'est cette injonction à la tristesse, à la morosité, au catastrophisme, martelée par un système sophiste qui a tout intérêt à ce que nous ne croyions plus en rien – il faut être vraiment aigri pour reprocher à quelqu'un son épanouissement. Franchement, verser un peu de « lait de la tendresse humaine » dans nos oreilles saturées de cynisme, ça ne peut pas faire de mal, non ?

The Sound of Milk de Camille

site internet: : Because

VIRAGEZERO

gdo — 2026-09-29T17:55:19Z

Il y a quelque chose d'assez fascinant dans cette voix blanche, éthérée, presque avalée par un mur du son qui aurait décidé de faire fusionner My Bloody Valentine avec les tentacules d'une pieuvre répondant au nom des Happy Mondays. Une rencontre improbable, certes, mais qui donne une petite idée du trouble dans lequel viragezero aime nous plonger. Ici, les guitares brumeuses, les synthés nerveux et les rythmiques électroniques ne cherchent pas vraiment à s'installer dans une forme confortable. Tout semble en mouvement, comme si le disque refusait de choisir entre l'abandon et la tension.

Il faut dire que le premier album de ce collectif genevois n'est pas exactement le genre de disque que l'on appréhende frontalement. Un melting-pot de sensations, de rythmes et de textures, avec des senteurs orientales passées au tamis de l'électronique, qui demandent probablement de laisser tomber ses réflexes d'auditeur organisé. Inutile de chercher immédiatement la bonne porte d'entrée : la spontanéité me semble ici la meilleure façon de procéder. On se laisse traverser, on accepte de ne pas toujours comprendre, et l'on finit par remarquer que quelque chose s'est déplacé en nous.

Les textes de Zoé Sjollema, nourris de fragments de rêves, participent à cette impression de réalité légèrement décalée. Sa voix ne vient pas toujours éclairer les paysages, elle semble parfois en être une brume supplémentaire. Les mots apparaissent comme des morceaux de conversation dont on aurait oublié le début, des pensées attrapées au réveil avant qu'elles ne se dissolvent complètement. Le disque avance ainsi par glissements, entre fatigue, solitude et envie de disparaître quelques instants, sans jamais enfermer ces états dans un récit trop bien ordonné.

Ce qui me plaît, c'est cette manière de faire cohabiter des influences qui pourraient facilement se neutraliser. Le trip-hop, l'abstract hip-hop, la dream pop et les dérives électroniques ne sont pas convoqués pour dresser un inventaire de références, mais pour créer une matière mouvante, parfois abrasive, parfois presque contemplative. Les rythmes semblent vouloir nous maintenir debout pendant que les nappes et les guitares s'occupent de faire bouger les murs.

viragezero est un disque qui ne se donne pas immédiatement, et c'est probablement ce qui lui permet de rester vivant. Une musique de dérive nocturne, où l'on avance sans certitude, avec cette sensation étrange de tourner en boucle tout en découvrant, à chaque passage, un détail que l'on n'avait pas remarqué. Un disque qui ne promet aucune sortie, mais qui sait rendre le chemin suffisamment trouble pour que l'on ait envie de continuer.

viragezero de viragezero

site internet: : Les Disques Bongo Joe

Chat Pile

Alix de Stermaria — 2026-09-29T17:55:16Z

Les puristes qui nous lisent vont râler. J'ai adoré le nouvel opus de Chat Pile mais, plutôt que d'aligner les références attendues (Godflesh, Big Black, Jesus Lizard, Shellac), je vais me contenter de résumer ainsi le crépusculaire Who Loves The Sun : le troisième album du combo d'Oklahoma City est un condensé de slowcore accéléré et de grunge joué au ralenti. Slowcore, cette basse rampante, mise en avant, ces motifs arpégés, répétitifs et crasseux, cette saturation organique, telle que sur l'introductive Creature. Grunge, voire proto-grunge, cette Influence boueuse que l'on croirait interprétée par des Nirvana neurasthéniques – la tellurique Christabel ‘26 synthétise à merveille ces deux registres. A noter que Chat Pile – qui tire son nom des empilements de déchets miniers contaminés au plomb que l'on retrouve en Oklahoma, soit l'équivalent badass de nos terrils – a récemment repris Sifting et Scentless Apprentice. La filiation fait sens, mais si l'on creuse un peu plus dans les années 90, l'on trouvera des réminiscences indie-rock, et plus particulièrement de Lou Barlow. En effet, l'incandescent Deep Blue laisse apparaître une sorte de nonchalance à la Sebadoh – curseurs dans le rouge cramoisi, mais aucune démonstration gratuite. Pareil, pour la litanie October All the Time, qui rappelle Sentridoh. Ceci dit, le cœur du disque, teinté de sludge metal, est indubitablement noise hardcore, qu'il s'agisse de Family Funeral, du brûlot PEN I S MALL ou du bourdonnant Shrine. Les riffs bas-accordés, hérités du nu metal originel (Korn, Deftones), sont pour beaucoup dans l'atmosphère étouffante de cet opus – en témoigne la lancinante complainte Same Rules, orage sourd de décibels en tension. Dix titres, rien à jeter, y compris l'étonnante Intruder, qui s'aventure vers le post-punk et le math-rock, mais se termine sur du screamo pur jus, embarquant dans son sillage Claire Hannah et Brittany Sawtelle, du trio Nightosphere : un sans-faute, donc. Who Loves The Sun ? Certainement pas Chat Pile. Ici, le soleil est noir, il est ombre, il est toxique. Ce qui n'empêchera pas le groupe d'Oklahoma City de signer un disque magistral tout autant qu'éblouissant.

Who Loves The Sun de Chat Pile

site internet: : The Flenser

beabadoobee

Alix de Stermaria — 2026-09-26T15:07:26Z

Pour faire simple, beabadoobee est la Mitski anglaise – certes née aux Philippines, mais vu qu'elle avait trois ans quand ses parents se sont installés à Londres, on ne va pas chipoter, l'analogie reste pertinente. En effet, à l'instar de Mitsuki Laycock, dont j'ai en ces pages évoqué le récent Nothing's About To Happen To Me, Bea Kristi se réclame d'influences underground – Karen O, Kimya Dawson, Mazzy Star – qu'elle affadit malheureusement en une sorte de pop-rock de studio qui relève plus de la citation admirative que de l'innutrition créative. L'on ne remettra cependant pas en question sa sincérité ni ses affinités culturelles : beabadoobee a dans sa jeunesse composé une chanson en l'honneur du dictateur des Pavement (I Wish I Was Stephen Malkmus), elle s'est fait tatouer la pochette d'un album de Daniel Johnston (Continued Story with Texas Instruments) et, durant le confinement, elle a passé des nuits entières à étudier les Sundays. On l'imagine sans peine apprendre à jouer de la guitare devant un tuto Youtube, ou fredonner en rêvassant les yeux plongés dans les posters aux murs, ou chaque jour établir l'impossible classement de ses disques préférés d'Elliott Smith. Le truc, c'est que ceux qui nous nourrissent ne devraient en aucun cas être nos horizons, mais bien nos points de départ – à nous d'inventer la suite du voyage. En ce sens, le quatrième opus de beabadoobee ressemble à la brochure d'un office de tourisme. La destination ? L'indie-rock des années 90. Honorable si l'on s'en réfère à la variété francophone coprophage, mais Pylon pioche tant et tant dans les nineties qu'on se demande à quel moment la personnalité de beabadoobee va affleurer. Hole (Sun Has Set), Beck (Switchblade), les Cardigans (Memories), Garbage (Radio), les Smashing Pumpkins (Estranged), le tout arrosé de sonorités midwest emo, grunge ou bedroom-pop, et de mélodies dignes de teen-movies, rien d'indigne, même si l'on se demande ce que font là Chino Moreno (Satellite) et Brendan Yates (Powerlines) – oui, vous avez bien lu, les chanteurs des Deftones et de Turnstile figurent sur la liste des invités, tout comme Hayley Williams sur le sirupeux girly-punky Nothing To Prove. Rien à prouver ? Si, un peu quand même. Ce Pylon a beau être agréable à écouter — ça glisse tout seul entre les deux oreilles —, on aurait préféré qu'il émette un signal un peu plus personnel.

Pylon de beabadoobee

site internet: : Dirty Hit, Interscope

Talisco

gdo — 2026-09-26T11:55:44Z

Alors que j'ai longtemps fait un concert par semaine minimum, puis, en entrant dans la vie active, un par mois, et depuis quelques années un par an, et encore, c'est en me forçant, je supporte de moins en moins mes contemporains. Et ce n'est pas la manie de mettre son bras en l'air avec le téléphone au bout pour filmer trente secondes de concert qui arrange mon rapport avec mes congénères.

Alors je ne sors plus jamais, surtout à Paris, et c'est donc à Reims que j'ai jeté mon dévolu. Déjà parce que notre véhicule connaît la route, et pour cause, nous sommes abonnés à l'illustre Stade de Reims. Ensuite parce que je n'ai pas mis les pieds depuis très longtemps à la Cartonnerie, où j'ai de grands souvenirs qu'il serait trop long d'énumérer, salle qui a remplacé l'illustre Usine (ceux qui ont des cheveux blancs, ou plus du tout, savent). Et puis quand même parce que j'ai un rapport complexe avec le groupe qui s'y produisait, en l'occurrence Talisco, que j'avais vu il y a quasiment dix ans jour pour jour à Beauvais, invités que nous étions avec ma fille, qui n'avait alors que 7 ans et qui était en transe dès les premières notes de Your Wish. Dix ans plus tard, je suis de moins en moins souple et ma fille a basculé dans le côté obscur de la musique : exterminons la K-pop et le rap variétoche.

10 balles la place, une salle pleine et, en première partie, Louis Aguilar, une découverte (on en reparlera rapidement sur ADA )même pour moi qui croule sous les disques autoproduits. Nous arrivant de Lille dans le Texas, Louis Aguilar nous offre un set rendant un hommage tout à la fois hilare et talentueux à la musique américaine, aux séparations, à l'amour, le tout avec ses six ficelles sous les doigts. Ceux qui lisent ADA remarqueront que je ne me suis pas foulé, j'ai quasi repris mot pour mot le petit texte que j'avais écrit quand, en 2014, j'avais croisé Louis à Crépy-en-Valois, en première partie de Mermonte.

Vers 21 h 30 arrive Talisco. Première surprise, ils ne sont pas trois mais quatre. Un jeune homme répondant au prénom de Corentin s'est ajouté pour s'occuper de toutes les parties claviers, et ce n'est pas anodin. Là où le trio devait composer avec de la technique supplémentaire, en quatuor, Thomas Pirot, par exemple, peut se consacrer à la basse et au chant. C'est une différence qui se ressent jusque dans le bonheur qui se dégage du groupe, là où je pouvais parfois les trouver crispés sur scène, sauf Gauthier Vexarld, camarade picard au sourire communicatif qui n'est pas sans nous rappeler celui de Farrugia.

Frontman de plus en plus à l'aise et roi de la grimace, Jérôme Amandi s'amuse d'une technique récalcitrante alors qu'elle s'était tenue à carreau pendant les deux jours précédents. Et malgré cela, et malgré l'enjeu, nous aurons droit à 90 minutes intenses pour ce premier concert de la tournée annonçant la sortie d'un cinquième album, Setting in Nashville, pas encore sorti mais que je m'empresserai d'acheter en avant-première à la fin du concert pour l'écouter le matin venu.

90 minutes durant lesquelles nous découvrirons des titres du nouvel opus, dont certains étaient déjà dévoilés depuis quelques mois sur YouTube, notamment Wah Wah Wah, qui à lui seul en dit long sur l'énergie du nouveau Talisco. Enregistré aux États-Unis, Jérôme Amandi enfonce définitivement le clou. Après un essai en français sur l'avant-dernier disque, Cinematic, il nous avoue définitivement qu'il est plus américain que bordelais, chose que nous avions déjà comprise dès Capital Vision, même si, avec Setting in Nashville, Jérôme Amandi penche vers quelque chose de plus roots.

Mais revenons au concert, qui alternera entre nouveaux titres et anciens, majoritairement issus de l'implacable Run, s'offrant des relectures plus ou moins réussies, mais toujours intéressantes. Your Wish, sans le break qui faisait vriller ma fille, m'a quand même manqué. Car comme Jérôme le dira avec un brin d'ironie : « Nous sommes des fous ». On n'échappera pas non plus à la montée de sève chez les fanas du Santa Barbara français lorsqu'il entonnera le générique d'une série (Sun) qui a au moins le mérite de mettre de la bonne musique dans les oreilles des ménagères de moins de cinquante ans nostalgiques de Châteauvallon et d'Herbert Léonard.

Se lâchant grâce à un son plus épais, maniant avec une rare maestria les harmonies vocales (tout le monde chante chez Talisco, et chante bien), Talisco assume une farouche envie de liberté, une nouvelle ère sans pour autant rejeter le passé.

PS : mais bordel rangez vos portables pendant les concerts.

Brama

gdo — 2026-09-24T16:50:34Z

Cela commence mal. Dès Belou, j'ai peur de me retrouver face à un groupe cousin des polyphonies corses, et j'envisage déjà de plastiquer mon ordinateur avant d'appeler la police pour un placement psychiatrique. Mais que nenni. Très vite, Brama nous propulse sur une autoroute krautrockienne, au volant d'un tuk-tuk lancé à pleine vitesse, et l'inquiétude laisse place à une envie irrépressible de danser. Le groupe vient de m'avoir.

Avec La Raive, Brama imagine un folklore qui n'appartient à personne et semble pourtant venir de partout. L'occitan donne une première piste, mais la langue elle-même est chahutée, malaxée, comme si elle devait se frayer un chemin dans un grand creuset où les traditions, les époques et les influences auraient été joyeusement mélangées. On pense parfois aux chansons créoles ou caribéennes de Delgres, mais celles-ci auraient traversé une fête de village sous acide avant de s'égarer dans un club krautrock. C'est sautillant, dansant, planant en toile de fond, avec une pulsation qui vous fait bouger le corps pendant que l'esprit commence à perdre ses repères.

La vielle à roue, loin de se contenter d'incarner une quelconque tradition, devient ici un instrument de transe, un orgue liturgique ou une machine à produire des paysages. Les guitares, la basse et la batterie lui répondent dans une forme de tension permanente, sans jamais enfermer la musique dans une formule prévisible. Sur Ad Astra, nous ne sommes pas chez James Gray, mais nous planons tout de même pas mal, la tête embrumée à force de tourner sur nous-mêmes sous l'effet de cette musique hypnotique et déboussolante. Luminar pousse encore plus loin cette sensation : une pièce magistrale, quintessence du cool, qui s'installe avec une évidence presque insolente dans un disque déjà particulièrement riche.

Et puis il y a Belou de Nuech, titre hautement addictif, comme si les Doors consommaient des amphétamines avant de se mettre à une musique métronomique dans une vallée lumineuse et végétale. Une vision impossible, évidemment, mais qui résume assez bien le trouble de Brama, une musique qui semble puiser dans des racines anciennes tout en refusant de s'y tenir. L'En Delai pourrait accompagner le générique d'une série télévisée de la BBC des grandes années, mais dans un territoire aux frontières grandes ouvertes, où le passé et le présent se croisent sans avoir pris rendez-vous.

Avec Du Lum, les époques se télescopent franchement. On retrouve quelque chose de la démarche de Björk lorsqu'elle installe ses machines au centre d'un volcan islandais : une musique organique et électronique, hypnotique, solaire, déroutante, presque irrévérencieuse, mais fichtrement cohérente. Brama ne cherche pas à reproduire un folklore, encore moins à le présenter sous vitrine. Le groupe le rêve, le déforme, le fait danser jusqu'à ce qu'il devienne autre chose. Une matière vivante, traversée de rythmes, de saturation et de poésie incantatoire.

La Raive est ainsi un disque qui refuse de choisir entre la fête populaire et l'expérimentation, entre la transe et la chanson, entre la mémoire et l'imagination. Brama ouvre les portes, mélange les ingrédients et nous invite à goûter sans nous révéler la recette. On ressort de cette traversée un peu désorienté, certainement, mais avec une furieuse envie de remettre le disque. Le tuk-tuk est toujours sur l'autoroute, le paysage défile, et personne ne semble vraiment savoir où nous allons. C'est probablement ce qui rend le voyage aussi réjouissant.

La Raive - Album de Brama

site internet: : Airfono

Alex Botcho

gdo — 2026-09-24T16:42:52Z

Chez Alex Botcho, même les titres semblent avoir été priés de rentrer dans le rang, tous commencent par un L. Une lettre à l'angle droit presque parfait, alors que lui tente ici d'arrondir ses compositions habituelles pour se glisser dans quelque chose de plus intime. Comme si, après avoir longtemps regardé le monde avec les nerfs à vif, il avait décidé de rentrer un peu chez lui.

Les batailles est un hymne désabusé mais solaire, celui qu'on pourrait entendre un jour d'éclipse totale, lorsque la lumière disparaît sans que personne n'ait vraiment renoncé à la faire revenir. Sans grands effets de manche, Alex Botcho y chante le partisan du grand soir, mais débarrassé de sa fureur. Il reste la colère, certes, mais surtout l'envie de voir les choses bouger. Laisse-moi te dire revient quant à lui à l'os, à cette vieille histoire de l'amour qui continue d'exister même lorsque l'autre a visiblement décidé de ne pas participer.

Ce qui frappe surtout, c'est cette façon de parler du mal de vivre sans jamais lui construire un mausolée. Le Même Refrain avance fatigué, résigné presque, mais avec une légèreté inattendue : on sait que demain ressemblera probablement à aujourd'hui et, malgré tout, on se lèvera. Une forme de sagesse modeste, sans posture ni grands principes, simplement cette capacité à accepter ce qui nous échappe et à continuer malgré tout. Et lorsque Le Passé vient remuer ce que nous aurions préféré laisser tranquille, entre lutte des classes et doux désenchantement, on se surprend à sourire. Il y a même un petit quelque chose de Voulzy dans cette mélancolie-là, mais un Voulzy que l'on aurait enfin le droit de fréquenter.

Au fond, ces quatre L dessinent moins une ligne droite qu'un drôle de petit cercle, les mêmes fatigues, les mêmes désillusions, les mêmes envies de changer les choses, mais avec suffisamment d'air entre les mailles pour ne pas étouffer. Alex Botcho ne résout rien. Il met simplement quelques chansons là où ça coince, et c'est déjà une jolie manière de faire circuler l'air.

site internet: : Toolong Records

Feutre

Alix de Stermaria — 2026-09-24T16:42:48Z

« Comme si Brigitte Bardot chantait dans Stereolab ». Adoubés par un autre BB bien connu des amateurs de pop baroque, Bertrand Burgalat himself, les Bordelais de Feutre nous reviennent avec un second album à la croisée des chemins, révélant un goût certain pour la ligne claire (Autour de Lucie), le flegmatisme britannique (Belle and Sebastian) et les arrangements luxueux (Serge Gainsbourg). De telles figures tutélaires pourraient paralyser le trio mené par le bassiste Michaël Korchia, il n'en est rien. Le natif de Sarcelles, croisé au sein de Mumbly ou Watoo Watoo et grand fan de Felt devant l'Éternel, signe des compositions lettrées tout autant qu'accessibles, dont les introductions particulièrement soignées accrochent d'emblée l'oreille. Un vrai terrain de jeu pour la chanteuse Elsa Leroyer, qui écrit les paroles, et le fin guitariste Jérôme Excoffier, passé par Red. Aux mots sensibles ou caustiques de la première répondent les arpèges lumineux et motifs hypnotiques du second. En un dialogue permanent, les trois musiciens empilent les strates sonores, tricotent des mille-feuilles harmoniques, dressent la table, puis sans sourciller en retirent brusquement la nappe. Ici, dans ces grands ensembles qui la nuit vacillent au vent, tout est affaire d'équilibre. « Ouvre les yeux / Regarde le ciel est bleu / Ne regrette rien / Laisse l'amertume aux chiens ». Oscillant entre pop ultra-catchy (L'indocile), ballades rapides (Essentiels) et ritournelles sixties (31 décembre), ce nouvel opus – teinté de funk (Adam), d'easy listening ou de western (Gold mine) – rappelle qu'en matière de pop oblique, Feutre – fort d'indéniables capacités techniques ainsi que d'une appétence sincère pour le vintage – s'impose avec classe. Léger bémol, les mélodies vocales. Parfois monotones, elles manquent de relief et suivent un peu trop sagement la grille d'accords. Jurisprudence Lætitia Sadier oblige : c'est le registre qui veut ça – il faut y voir non pas une limite, mais un hommage à une époque révolue, que ravive avec talent le trio bordelais. En érigeant un pont entre chanson française rétro et indie pop anglo-saxonne, Feutre signe un disque élégant, habilement perché entre légèreté surannée et maîtrise formelle.

site internet: : Les disques maladroits

Elias Dris

Alix de Stermaria — 2026-09-24T16:42:44Z

« J'ai l'impression d'être un Neil Young possédé par le fantôme d'une actrice qui hante Sunset Boulevard ». C'est en ces termes imagés qu'Elias Dris décrit son rêve américain, lui qui – à Nevada City, une dizaine d'années auparavant – s'était adjoint les services de Tom Menig, le père d'Alela Diane, pour enregistrer un premier opus pétri de folk, Gold In The Ashes (2017). Au gré de collaborations éclairées (Morgane Imbeaud) et d'un deuxième album plus pop (Beatnik Or Not To Be, 2019), la silhouette – élégante, mystérieuse, éternellement juvénile – d'Elias s'est imposée dans le paysage musical français. Mais il s'avère que celui qui a grandi en banlieue parisienne n'en avait pas fini avec la Californie. Cette fois, point de folk à l'horizon, mais une vision – en cinémascope. S'ouvrant sur la majestueuse complainte orchestrale Los Angeles, d'une classe folle et que magnifie le chant androgyne d'Elias, Pearl semble marcher sur les pas de Lana Del Rey. Ambiances capiteuses (Precious), lentes ballades arpégées (The End of the World), goût du clair-obscur, du vaporeux, de la théâtralité sans affectation : par tant de grâce l'on se laisse happer. Malheureusement, quand Elias s'aventure dans une sorte de soul électronique à la Billie Eilish (la bouillie Bitches Like Us), le soufflé magique retombe, la faute à un flow bien trop contemporain, qui abîme la si puissante litanie Killed My Fun, drapée d'orgue et de mellotron, la ballade minimaliste The Void (la voix trafiquée, verboten) ou un Bad Movie dont l'introduction prometteuse rappelait Chris Garneau, avant de sombrer dans un dispensable mood RnB 2.0. Rageant. L'air du temps, difficile d'y échapper. Voilà pourquoi la ritournelle California Blue fait du bien – elle ne cède à aucun tic de son époque. Et non, il ne s'agit pas d'une reprise de Roy Orbison. Ces quelques errements ne sont que détails eu égard aux nombreuses qualités du troisième album d'Elias Dris, mais ils sont d'autant plus agaçants qu'ils renforcent l'impression que l'on n'est pas passé très loin d'un disque de chevet automnal. Malgré quelques scories, Pearl reste un écrin précieux, dont l'éclat confirme le talent rare de son auteur.

site internet: : Hungry Poet

Quanderers

gdo — 2026-09-22T16:53:04Z

Je suis toujours un peu inquiet quand on me présente un disque comme celui d'un « super groupe ». J'ai immédiatement peur de devoir admirer avant même d'avoir écouté, et surtout de retrouver cette guitare majestueuse qui prend toute la place, comme si elle avait payé le loyer. Après le très touchant dernier album de The Durutti Column, j'avais donc une certaine appréhension à l'idée de replonger dans ce genre d'exercice.

Puis j'ai commencé à écouter Bright Madness comme j'écoute souvent ce type de disque : en isolant les instruments, en recommençant plusieurs fois, en essayant de comprendre ce que chacun raconte avant de remettre tout le monde dans la même pièce. Sauf qu'avec Wendy Eisenberg, David Grubbs et Kramer, ça ne fonctionne pas vraiment. Les trois semblent s'aimanter tout en donnant constamment l'impression d'être chacun dans leur monde. C'est précisément cette contradiction qui me plaît : impossible de savoir qui mène réellement la danse, et peut-être que personne ne le sait.

Neuf chansons, neuf thèmes, et parfois cette sensation que l'album pourrait gentiment vous pousser vers une forme de léthargie. Je commençais d'ailleurs à me demander si je n'allais pas m'installer confortablement dans l'ennui lorsque Theme for Nihilogisms est venu me tirer par la manche. Le monstre de l'album. Un titre qui semble hésiter à sortir de son terrier, puis se traîne dans des couloirs humides et des impasses sordides, éclairé seulement par quelques arpèges subtils et presque miraculeusement lumineux. Pantagruélique par sa durée, famélique et ascétique dans sa construction.

Il faut parfois écouter ce qui se passe derrière les lignes principales, ce petit bruit qui vient contrarier la belle mécanique. Theme for the Glacier Within Him fonctionne ainsi pour moi comme un précis de déconstruction écrit sur les bases d'un manuel de mathématiques que personne n'aurait jamais publié. On croit avoir compris où le morceau veut aller, puis quelque chose se décale.

C'est finalement ce que je retiens de Bright Madness. Un disque qui ne cherche pas tellement à imposer sa folie qu'à la laisser s'installer doucement, entre trois musiciens qui semblent parfois jouer ensemble et parfois dans trois pièces différentes. Et moi, au milieu, à recommencer mes écoutes instrument par instrument, sans être certain d'avoir trouvé la bonne porte d'entrée.

Bright Madness de SQUANDERERS

site internet: : Drag City